EVASIONS CLASSIQUES … Chefs d’orchestre … Herbert Von Karajan (Salzbourg – 05.04.1908 / Anif – 16.07.1989). Chapitre 02b (Richard Strauss-Mascagni).

EVASIONS CLASSIQUES … Chefs d’orchestre …

Herbert Von Karajan (Salzbourg – 05.04.1908 / Anif – 16.07.1989).
Chapitre 02b (Richard Strauss-Mascagni).

Pour ce second chapitre où Herbert Von Karajan passe en fosse pour diriger l’univers si difficile qu’est l’opéra, j’avais plusieurs options possibles…
L’évidence était Puccini. Ses enregistrements du grand maître de l’opéra romantique italien, incontournable et surchargé d’émotions lyriques restent quasiment inégalés et … très populaires. Pavarotti y a été magnifié.
Connu, entendu, chanté ou fredonné, admiré … avec encore une fois Karajan en passeur d’émois face à ces mélodies intemporelles.
Sinon, Mozart, dont « une flûte enchantée » qui a fait date.
Trop … facile.

Alors j’ai choisi de m’engager dans deux autres ouvrages qui font aussi référence, peu enregistrés, rarement joués et qu’il a, comme toujours, su tant respecter dans leur Adn patrimonial que transcender.
Il s’agit de « Salomé » de Richard Strauss dont il a été l’un des plus fervents interprètes ce qui a permis quelque part de le réhabiliter, coincé qu’il était entre un romantisme lui collant à la plume et un dodécaphonisme l’attirant irrésistiblement.
Sans parler de l’étiquette politique qui lui a valu quelques rejets.
Et de deux compositeurs réunis sur un même album, salué par la critique et passé quelque peu sous les radars : Pietro Mascagni pour son mélodrame en un acte, « Cavalleria Rusticana » et Ruggiero Leoncavallo pour son drame en deux actes, « Pagliacci ».

Sortie de piste orchestrale pour l’un comme pour l’autre, Karajan est pourtant installé « à vie » depuis 1955 comme chef de la Philharmonie de Berlin.
Mais pour Strauss, c’est avec le philharmonique de Vienne - dont il est un invité régulier (rappelons que cet orchestre est organisé de façon collégiale en « choix » et que ce sont les musiciens qui décident, indépendants, des chefs qu’ils sollicitent) - qu’il va enregistrer « Salomé ».
Quant à son échappée italienne c’est avec l’orchestre de référence de l’opéra italien, celui de la Scala de Milan, qu’il va réaliser sa vision de deux œuvres absolument oubliées.
Qu’il va, comme à son habitude, mettre en grand public.

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

RICHARD STRAUSS : « SALOME » | EMI 1977.
Orchestre philharmonique de Vienne – Herbert Von Karajan
Hildegarde Behrens, Jose Van Dam, Karl Walter Böhm, Agne Baltsa, Wiestaw Ochman, Heljä Angervo.

Avant toute chose, un petit rappel.
Karajan, 1929, fait ses débuts « officiels » de chef d’orchestre à Salzburg.
Il y dirige « Salome » de Richard Strauss.
Il a … 21 ans.
Cette œuvre et ce moment marquent non seulement le commencement de sa carrière mais également son attachement définitif à la musique de Richard Strauss.
Faire ses premières armes avec une telle œuvre (on le verra plus loin) dépasse l’anodin, il faut bien le dire et le croire.
Tant qu’en avoir vraiment conscience.

Strauss va mettre deux années à composer cet opéra, entre 1903 et 1905.
Un opéra en un acte, basé sur la pièce d’Oscar Wilde, adaptée en allemand par Hedwig Lachman, la pièce étant elle-même basée sur « Hérodias » de Flaubert.
Ce second des « Trois Contes » de Flaubert publiés en 1877, fascina Wilde qui décida d’en faire une adaptation théâtrale à l’attention de Sarah Bernhardt. Il l’écrivit même directement en français, pendant son long séjour en France entre 1891 et 1892.
Elle fut représentée par Sarah Bernhardt au Théâtre de l’œuvre en 1896 alors que son auteur croupissait en prison, en Irlande natale, pour … détournement de mineur (décidément on est en pleine actualité…).
La pièce, traduite en plusieurs langues eut un immense succès et c’est en 1902 que Richard Strauss la découvrit, à Berlin mise en scène par Max Reinhardt.
Il décida alors de mettre en musique ce drame de sang, de volupté et de mort.

Scandale de plus d’une « belle époque » déjà riche en remous, « Salomé » fut censurée à Vienne, malgré le soutien indéfectible de Mahler envers l’œuvre et son compositeur, qui jusqu’alors n’avait eu avec le répertoire lyrique que peu de succès.
Seule son œuvre symphonique (ses poèmes symphoniques) avait reconnaissance.

Mais un argumentaire choc (une héroïne nymphomane qui va s’adonner en final quasi nue, publiquement, à la nécrophilie), le scandale qui en émanait et un Strauss qui en rajoutait complaisamment par rapport à l’original théâtral en renforçant par cent vingt musiciens la tension dramatique jusqu’à un cri paroxysmique, cela ne laissa et ne pouvait laisser indifférent.

Ce fut à Dresde, à l’opéra Royal en 1905 que l’œuvre fut finalement jouée en première.
Même là, « Salomé » déclencha débats et oppositions – mais le sujet des mœurs, chose surprenante n’était pas au cœur de ces problématiques.
L’opéra, en un acte, donc sans entr’acte, ne permettait pas au buvetier de faire sa recette et malgré l’insistance du directeur de l’opéra pour que le soir de la représentation un autre opéra soit ajouté afin de permettre l’entracte, Strauss et son librettiste refusèrent.
Il est des œuvres qui se nourrissent de faits, d’articles, de scandales et qui, par « automatisme », provoquent leur succès.
« Salome » en fait partie.

A la Scala sous la direction de Toscanini, au Met à New York où elle fut immédiatement interdite, la Monnaie, à Bruxelles, le Chatelet à Paris puis au Théâtre des Champs Elysées et à l’opéra sous la direction de Ida Rubinstein.
117 représentations en un demi-siècle …
Strauss avait franchi le cap de compositeur symphonique et avec un opéra d’un seul acte, sans aucun prologue, où l’action entre immédiatement dans la fosse dramatique, son succès était assuré.

« Salome » …
Un prisonnier, une princesse rebelle à la beauté telle que cette belle époque pouvait en engendrer en fantasme, une fête de débauche, l’excès amène aux présages, à la mort, au suicide et cela s’échafaude à une vitesse vertigineuse où la musique va s’emparer de l’action – l’action se nourrissant elle aussi de la musique.
« Salomé », ultime provocatrice à demi nue, baisera la tête du prisonnier suicidé et même son beau-père, Hérode, figure même de la débauche en sera si écœuré qu’il ordonnera de la tuer. 

Il fallait oser travailler deux années pour composer une telle œuvre, avec un tel argument et penser que celle-ci puisse être acceptée, représentée, interprétée même.
Tant de barrières morales, tant de boucliers sociaux, tant de rejets potentiels de lieux.
Mais le scandale amène la foule et attise la curiosité.
L’acte artistique provocateur est figure d’exceptionnel.
Et quand il est porté par le génie d’un compositeur comme Strauss, on ne peut que s’incliner et s’inciter à une lecture de l’œuvre dépassant le premier degré, déjà complexe à estimer tel.

Karajan et Strauss, comme Karajan et Wagner ou Karajan et Beethoven.
Richard Strauss - dont les tendances politiques en faveur du nazisme et une œuvre encore enracinée dans le romantisme mais osant, quand l’argument le nécessitait, les avancées modernistes auxquelles il adhérait philosophiquement - sans Karajan serait peut être resté un compositeur volontairement relégué dans des bouquins d’histoire de la musique, en quelques lignes.
Trop … gênant peut être…
Comme Bruckner, un parfait exemple d’un regain d’intérêt, d’un sursaut réaliste face au génie créatif.
Il ne faut pas non plus négliger cette odyssée de l’espace, prévue en un 2001 déjà dépassé, mais avec une intelligence artificielle capable de prendre le pouvoir sur son inventeur humain. Zarathoustra – Nietzsche – Strauss – SF…
Strauss … Richard.

Karajan est un interprète du compositeur des plus réalistes.
Sa direction ample tant que tonique permet une excellente lisibilité orchestrale là où encore et souvent l’argument orchestral est noyé en jeu de registres exécutés, mais non agencés avec les choix déterminants d’une partition d’apparence complexe.
Karajan trouve toujours le bon angle, la bonne et juste mesure dans le propos orchestral.
Pour cela, avec la « donnée » opéra (et ici un argumentaire puissant chargé qui plus est d’un passif anecdotique pour un compositeur dont il a croisé les idées), la ligne directrice est là, face à lui.
Et avec elle, pour un drame en un acte où il peut imaginer une réelle progression dans le temps, comme un tout et non par paliers et sections, le considérant en un seul moment se dirigeant vers la scène ultime, paroxysmique, il opte pour l’interprétation d’un seul tenant.
Ce même si la célèbre « Danse des Sept Voiles » peut être extraite en pièce symphonique.

Il existe fort peu d’interprétations de « Salome ».
Celle-ci, enregistrée en dix jours du 10 au 20 mai 1977 avec un philharmonique de Vienne ne cessant de renouer avec l’autre Strauss emblématique de la cité et un casting de solistes tous aussi imprégnés de l’ouvrage les un-es que les autres, est un véritable choc.
Ce bloc musical, en un acte, que j’écoute toujours avec fascination, enfermé dans un coffret vinylique de deux disques que j’ouvre tel une boite de Pandore, est d’une rare densité, d’une formidable intensité et dépasse largement la seule idée d’opéra.

Avec « Salome », Richard Strauss a fait très fort et Karajan est le vecteur de cette force machiavélique qui surgit de chaque chant, de chaque trait orchestral et de ces crescendos massifs, nerveux, tendus jusqu’au cri.

Essentiel.
Fascinant.
Malsain.
Ultime.

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

PIETRO MASCAGNI : « CAVALLIERA RUSTICANA »
RUGGIERO LEONCAVALLO : « PAGLIACCI »
DG – 1966 ;
Orchestra et Coro del Teatro alla Scala, Milano. Direction Herbert Von Karajan – Maestro del Coro : Roberto Benaglio.
Carlo Bergonzi, Fiorenza Cossoto, Adriane Martino, Giangiacomo Guelfi, Maria Gracia Allegri – « Cavalliera Rusticana »
Carlo Bergonzi, Joan Carlyle, Giuseppe Taddei, Ugo Bennelli, Roalando Panerai, Giuseppe Morresi, Franco Ricciardi – « Pagliacci ».

On allège presque le registre, on passe du drame pénétrant, au drame façon commedia dell’arte.
L’affaire n’est pas aisée et la transition nette, mais ce transport vers un autre univers musical est des plus bénéfiques.
Karajan, 1966, s’offre une escapade dans la patrie de Verdi et s’empare de l’orchestre de la Scalla pour mettre au grand jour deux compositeurs oubliés, célébrés en leur temps, de façon éphémère, avec leurs œuvres toutes aussi éphémères, mais à grand succès : Pietro Mascagni et Ruggiero Leoncavallo.
Coup d’éclairage pour l’interprétation de leurs deux opéras, « Cavalliera Rusticana » et « Pagliacci », le premier en un acte et le second en deux actes, souvent associés.

Mascagni (1863 – Livourne / 1945 – Rome) est pourtant considéré comme l’un des compositeurs majeurs de l’opéra italien du XXe siècle. Il va étudier avec Poncheilli et à ses côtés il aura comme co-disciple Puccini…
Pourtant il abandonnera ses études, s’installera à Cerignola, vivant dans une pauvreté bien réelle. Professeur de musique, chef de l’orchestre local il tentera le concours Sonzogno qui avec cet opéra en un acte et sa réussite, lui ouvrira les portes du succès. Un opéra composé en vingt jours, enthousiasmé qu’il était par la naissance de sa première fille.
Le succès de cet opéra fut imminent et inespéré. Il le rendit célèbre à l’international et même Mahler en fut enthousiasmé (alors qu’il avait rit pour la Bohème de Puccini) …
Cette célébrité lui permit de composer de nombreuses œuvres, dont le vérisme musical trouve là modèle représentatif.
Puis il devint un chef d’orchestre célèbre, resta un ami proche de Puccini (dont il prononça l’éloge funèbre) et se rapprocha amicalement de Mussolini qui le nomma par décret en 1929, membre de l’Académie d’Italie.
Fulgurance, succès et peut être bien, là encore, choix politiques qui obligent à un oubli certainement volontaire.
Ce premier opéra, déclencheur du succès de Mascagni, n’avait pourtant pas sa préférence. Il avait été trop associé au vérisme duquel le compositeur s’est progressivement extrait pour chercher dans des directions musicales plus romantiques.

Mais Karajan a trouvé là un matériau musical à réhabiliter.
L’orchestration luxuriante (incluant même des grandes orgues), à laquelle des chœurs absolument somptueux se mêlent et des arias d’une grande émotion, remarquablement interprétés ici, ont certainement été un choix décisif pour le grand chef.
Un hommage à un chef respecté, aux choix et amitiés politiques discutées et discutables (et proches de son parcours).
Une mise en valeur de sa première œuvre célébrée partout dans le monde, adulée et qui serait certainement, sans lui, passée dans l’oubli – voilà qui a dû orienter ses choix.

Karajan et l’orchestre fascinant de la Scala transcendent ici une œuvre apparemment anecdotique ou semblant juste représentative de son temps.
Il va trouver l’angle d’attaque, avec des solistes majestueux, pour transformer une partition certes à l’écriture tant originale que parfaite en une œuvre majeure d’un répertoire représentatif du succès d’une époque.

Leoncavallo (1857 – Naples / 1919 Montecatini Terme), c’est presque la même chose…
Il est l’expression même du vérisme.
Personnage haut en couleurs, complexe, il se crée, suite au succès de son premier opéra, « Pagliacci », sa propre légende, s’inventant une biographie changeante.
On sait qu’il fut pianiste de cafés concerts et qu’à Paris il s’est lié d’amitié avec Massenet et qu’avec Paillasse / « Pagliacci », son succès assuré, il eut de nombreuses commandes lui permettant de se distinguer dans de nombreux styles musicaux, de l’opérette en passant par le poème symphonique.
Marié à la cantatrice française (de Carpentras) Marie Jose Jean (alias Berthe Rambaud), le compositeur est honoré en Italie (fondation Leoncavallo à Locarno, musée à Brissago où il est citoyen d’honneur).

« Pagliacci » est une mise en abîme (représentation d’une œuvre dans une œuvre similaire) qui met en exergue le paradoxe du comédien avec des procédés dramatiques particulièrement efficaces, sensibles et qui par leur réalisme touchent immédiatement le public. Caruso a été l’un des interprètes les plus marquants du rôle de Canio qui, par jalousie, tuera sa femme et son amant.

Là encore le terrain de jeu musical et orchestral ainsi que les airs tourmentés de l’œuvre sont parfaits pour un Karajan en pleine ascension glorieuse.
Il va transformer et transcender une œuvre de répertoire en un véritable acte artistique.
Il fait apparaitre, là où l’action tarabiscotée entre réalité et autre réalité oblige à une direction de fosse centrée sur le théâtral, une richesse orchestrale au service du chant absolument inimaginable si l’on s’en réfère à la seule direction « opéra » que suppose la pièce.
Deux actes pour transformer un fait divers que le père de l’auteur (magistrat) aurait eu à juger et qui inspirèrent le fils compositeur, faisant de ce « Paillasse » une direction, un chemin dans lequel Puccini va s’engouffrer.

La direction du grand chef aura permis de (re)positionner l’œuvre, aux côtés de celle de Mascagni (leurs deux premiers opéras respectifs) en première place.
L’éclairage qu’il en fait les transcende et fait, par son implication suggestive et son charisme se dépasser tant l’orchestre que les solistes et le chœur.
Un chef peut parfois faire qu’une œuvre est surpassée.

Karajan excelle dans Puccini.
Il excelle logiquement dans Leoncavallo et Mascagni où le grand compositeur (ami du second) a puisé là une influence vériste indéniable … en dépassant l’intensité dramatique des sujets quotidiens qu’il abordait.

Vérisme : mouvement artistique italien de la seconde moitié du XIXe siècle, inspiré par le naturalisme français, visant à une représentation fidèle et sans embellissement de la réalité.
Démarche artistique visant à reproduire avec précision la réalité quotidienne. Source : la langue française.

---

Oser l’opéra c’est entrer dans un univers intemporel et addictif.
Osez donc.