Empreintes Vocales.
(Réflexions anarchiques... et affectives)
La voix, ce débat, cet instrument directement lié aux sens,
au corps...
Elle accroche direct, elle peut révulser aussi, pas une question de technique,
juste une question de sensations, d’émotion, de ressenti.
On a parfois et même souvent ces discussions interminables entre amis musiciens
(ou non) rapport à cette voix, ces chanteurs, chanteuses que l’on côtoie, que
parfois l’on accompagne, que l’on croise...
La vie quoi.
La musique est importante, mais dès que la voix entre en piste elle prend le
pas sur le reste, elle attire, elle s’impose, elle est qu’on le veuille ou non,
incontournable, alors son axe mélodique fera fredonner, siffloter, écouter avec
sensibilité, on sera happé par une énergie inexplicable...
Elle est là, alors, plus rien (ou presque) n’existe.
Cette conscience je tente de la faire prendre à n’importe quel(le) élève
chanteur (euse), car dès que tu prends le micro « miss », tu dois
toujours penser que dès la première émission d’un son de ta voix, l’auditoire
et même les musiciens n’en ont que pour toi...
Une sacrée responsabilité.
Le vocal touche directement à l’âme, il fait surgir l’être dans toute sa
réalité.
C’est « sensible », c’est « à nu ».
Ce peut être beau, émouvant, insoutenable...
Enervant aussi ou insipide et ce, selon notre propre capacité de ressenti, sans
explication, sans plus d’analyse que cela.
Il y a bien sûr l’appartenance à un « style », un genre, une
étiquette...
Opéra, récital, jazz, pop, rock, chanson, world...
Récemment Noa, en duo, minimal, intimiste avec un guitariste (Gil Dor) et un
éventail percussif, concert dracénois, chargé de têtes blanches, papotages et
ragots de mise dans l’attente de remplissage de salle...
Elle entre, se raconte et en l’espace d’une note, la première, me voilà
transporté, comme si plus rien autour de moi ne pouvait exister et le silence
se fait, là, d’un coup.
Pas de volonté charismatique affichée, juste la simplicité et le chant chargé
d’une vibration expressive inexplicable, palpable dès la première émission
vocale.
On touche le sens du beau, ou du moins certainement cette idée qu’on en a.
...
J’écoute Sinatra, son album de bossa, le crooner y est entouré d’un écrin fait
pour sa voix et la guitare si impérative de ce contexte.
Ça coule, ça frémit à chaque phrase, c’est sensuel, d’une coolitude absolue,
délicat, élégant et d’une apparence simple, si simple... que c’en est
désarmant.
Alors comme Franckie chante, tout semble chanter autour de lui, la moindre
flûte semble le caresser, les cordes sont de soyeux tapis et même la batterie
pourtant métrique prend des airs de mélodie à chanter. Lui, semble flotter
au-dessus de ce paysage musical idyllique, il chante, tout chante et il en est
le vecteur.
Tom Jobim e Frank Sinatra - 1967 - Full Album - YouTube
Je me souviens Nathalie Dessay à Ramatuelle l’an dernier. Un de ces concerts
inoubliables.
Elle se pose avec élégance dans un somptueux fauteuil et sur des espaces de
cordes contemporains elle raconte – sa
voix même parlée est envoutement. Une distinction mue par une technique
pour laquelle le mot perfection semble bien piètre permet le détail de chaque
mot, de chaque souffle, de chaque phrase... et là elle n’aura fait que
« parler »...
Puis elle revient en comédies de Broadway et dès la première note du
« on » de « on a clear day » elle aimante d’une pureté et
d’une sensualité mêlées une assistance béate.
L’album ne rend pas le quart de ce ressenti, mais une fois qu’on a été happé
par cette voix, c’est définitif.
Merci au « live ».
Natalie Dessay, "I'm a fool" - Teaser - YouTube
Je me fais le rapport technique avec Ella Fitzgerald, en jazz en ce qui la concerne, c’est similaire.
Pas de limites – juste la perfection tant dans la justesse, le feeling
travaillé au cordeau que la précision rythmique avec un phrasé swing à pleurer.
Et un sens des racines blues qui est toujours là, omniprésent.
Ella Fitzgerald -- How Long, How Long Blues (1963) - YouTube
Ella Fitzgerald - Swings Lightly / Swings Brightly (Not Now Music) [Full Album] - YouTube
Alors quand la douce colombe croise pour quelques albums trempés dans le chaudron
du jazz - celui-là qu’on sait vrai, authentique, sans autres fioritures que les
inflexions du blues Mr Louis Armstrong à la voix qui est aux antipodes,
rauquement furieux, transposition immédiate du chant de sa trompette, voix et
instrument s’exprimant sur la même échelle de valeur, sans distinction aucune -
le contraste émotionnel va au-delà du concevable, comme si la belle et la bête
prenaient figure sonore en face de nous.
Une sorte de magie faite musique, en petite formation comme dans l’immense
adaptation du Porgy and Bess par Russell Garcia de Gershwin, il est impossible de ne savoir au
pire « apprécier », au mieux, « adorer » et remettre sans
cesse ce « Summertime » impossible à oublier.
Y être insensible ?... je ne connais personne qui ait pu aller en sens
contraire.
...
LA belle voix...
Hmm, la belle affaire que voilà.
On parle d’une telle, d’une autre – l’une chante bien mais sa voix... brrr...
l’autre a la voix à son image, alors si l’on aime son image, on aimera sa
voix...
On parle d’une autre, encore qui s’oblige pour chanter à en rajouter sans
interruption, sans respiration, noyant la voix dans un fatras d’inutiles effets
qui au sortir parasitent l’impact immédiat, la véritable expression, le sens.
La chasse au mimétisme, la chasse à l’inutile, la chasse au superficiel, voilà
bien notre bataille pédagogique face à ces émissions de TV à la réalité qui
installe la démonstration, l’image, la bataille en place de la musique, le
braillement comme référent technique, pourtant, parfois même là, la voix, quand
elle prend sa place authentique : alors ...
Je me souviens cette jeune adolescente, guitare en mains, tellement timide et
peu sure d’elle, première prestation publique à l’une des multiples auditions
du Conservatoire.
Le power chord s’installe et positionne sa rassurante route harmonique et voici
le premier son...
La salle se fige, une rare intensité émotionnelle vient de prendre tout à
chacun.
Inoubliable.
Charismatique.
Pas la peine d’en faire une tonne, avec un rien et la pureté de l’intention de-par
la voix cela est simplement suffisant.
Je sais avoir toujours placé Billie Holiday au-dessus de tout – chez elle, pas
question d’imaginer un seul instant entendre la moindre forme
« technique », cela n’a pas lieu même s’y penser.
Billie chante et c’est au-delà du jazz, au-delà même d’une idée esthétique que
cela se passe, il y a dans sa voix une telle humanité, une telle âme que, forcément,
on est d’emblée attiré, fasciné.
Pour ma part de ressenti je place Billie au-dessus de tout ce que je peux connaitre (du moins... vous verrez plus
loin).
Bien entendu cela reste totalement lié au subjectif car c’est une question de
chimie, certainement. Ou d’alchimie.
Comment expliquer réellement cela ?
On écoute une voix et la peau se fait chair de poule, le poil de dresse, le
parlé s’arrête et peut être va se teinter d’une
émotion palpable... Touché, coulé.
Billie me fait ça – je l’écoute donc quand j’en ai besoin, comme si cette
expression vocale était une nécessité afin d’apporter un soutien ou un
« transport » en face du quotidien, et ce forcément dans les moments
pas simples de la vie.
Cette voix chante tout ce que j’ai besoin qu’elle me chante...
Billie Holiday - The man I love - YouTube
Une autre voix qui me laisse toujours pantois, c’est celle de Michael McDonald.
C’est incroyable cette teinte de nostalgie profonde qui émane de chaque note
qu’il chante avec une âme là aussi emplie de soul, d’un feeling totalement
particulier, aux inflexions profondément ancrées dans le gospel, à la rauquerie
naturelle, à la tessiture qui caresse les aigus les plus improbables tout en
faisant imaginer qu’il reste dans un registre grave.
Une sorte de féminité... une sensibilité qui l’est en tout cas.
Dès que je l’entends, en soliste comme caché au fond d’un chœur, je vibre
instantanément.
Et il m’est difficile de ne pas user du replay...
Je l’ai découvert avec son premier album et sa reprise du « I Keep
forgettin’ » de Procol Harum il n’a pas fallu plus que cette phrase pour
qu’une forme d’addiction envers cette voix s’installe, irrémédiablement et
durablement.
De Michael McDonald à Marvin le pas est simple à franchir et parmi les nombreux
chanteurs afro américains que je vénère ou écoute je peux dire que Marvin Gaye a
toujours tenu place de choix.
J’écoute « Trouble man » et c’est une boucle qui s’installe, comme si
ce falsetto si limpide ne pouvait sortir de ma tête.
L’autre fois j’ai fait l’erreur de le mettre en playlist de musique d’ambiance à
la pause entre sets musicaux et je suis resté figé, quasiment incapable de
revenir à mon piano...
« What’s going on » est et reste l’une de mes préférences vocales de
Marvin, la chanson comme l’album conceptuel et agencé autour de l’axe de ce
titre (un jour qui sait, je me lancerais dans la mise en détails de certains
albums de Marvin) – sa voix m'aimante radicalement
« Dream of a lifetime » tout comme « Midnight Love », c’est
pareil...
Un barda eighties, des boites à qui mieux mieux et là, au-dessus, ce miracle
vocal fluide, léger, chargé d’une expression incommensurable, d’une vie... de
la vie.
Aux antipodes il m’est impossible de résister à Tom Waits.
Son implication vocale est unique, chargée de vicissitudes, bouleversante dès
son premier rauquement, dès son moindre feulement.
Bien sûr il y a « Jersey Girl » ou encore « Blue
Valentine », rien qu’à eux seuls ces deux titres que j’auréole d’un
« Somewhere » droit sorti de West Side et qu’il a détourné ou
simplement chanté à sa façon.
Jersey Girl - Tom Waits - YouTube
Tom Waits Somewhere (From 'West Side Sto Blue Valentine 1978 - YouTube
A sa façon...
Tom Waits n’en a d’autre de façon de chanter que celle de se mettre
totalement à nu, d’exprimer le plus profond de l’être, le plus lointain de
l’homme.
Son personnage, sa voix... ses albums barrés (« Swordfish
trombones ») ou encyclopédiques... ou juste caressant le blues profond, le
jazz de fond de club, le rock de bar à whisky.
Eternel Tom Waits...
...
« S’il y’ avait pas eu Armstrong, jamais on n’aurait
osé chanter comme ça ! » m’avait lancé une fois une amie.
Personnellement je ne crois pas en cela.
Je crois plutôt que l’on chante comme l’on veut ou doit s’exprimer, que le
rock, le blues et le jazz ont permis de s’affranchir d’un mode vocal lié à une
technique impliquant acoustique et projection du son vocal et qu’ainsi on s’est
progressivement détaché d’un passif, d’archétypes pour comprendre que chanter
c’est certainement et avant tout être soi-même, donc s’exprimer comme tel et
forcément s’assumer comme tel.
Avec tout son fardeau de vie qui se trimballe dans le grain de cette voix qui
en dit d’un coup certainement très long, comme un miroir grossissant et ne
laissant passer aucun détail.
Prenez la copine de Tom, justement, Rickie Lee Jones...
Elle balance son « Coolsville » ou bien son « Lucky Guy »
et on pleure...
J’en connais un autre qui me fait cet effet, c’est Bill LaBounty, il est la
symbiose réelle du succès « Bodyguard » (oui, le film qui a fait
pleurer nos petites amies ados et qu’on a tous vu, nous avec une bière en
mains, elles avec une boite de Kleenex). Il pleurniche classe – en général il
en rêve, elle est partie ou il la fantasme, peu importe – et pour ça il va
mélanger un jazz groovy/funky/pop-calif de bon ton FM avec ce talent country
qui fait miauler dans les chaumières...
Vous vous souvenez de « I will always love you », cette ballade
country mise à la sauce FM eighties Quincy Jones par la regrettée Whitney
(dont, au passage la voix ne m’a jamais fait le moindre effet... un phénomène
curieux que je ne m’explique pas ou peu). Ces accents ampoulés chargés de
pleurnichements tout droit sortis du fin fond d’un Harlem en quête de sortie de
ghetto – chez Bill on est carrément dans le réel de tout ça.
C’est pas un film, c’est juste comme ça que ça le fait et alors quand j’entends
« Didn’t want to say goodbye », « Slow Fade » ou encore
« It used to be me » - titres dont j’ai réalisé que je ne sais m’en
passer – bêtement, je fonds.
La voix, cette façon de creuser le texte, de chercher le lancinant expressif,
de nasiller si nécessaire afin de donner ce grain, cette texture qui te fait
dire inconsciemment « yeah »...
Bill LaBounty j’ai réalisé à quel point j’écoute encore et toujours ce gars –
il me parle, sa voix (et sa musique ) me parle(nt).
J’en aurai presque oublié Rickie, qui même quand elle chante en français dans
un accent tel qu’on adorait ça quand on draguait les anglaises en voyage
scolaire, en un semi gémissement chanté sur le sillon te bouleverse.
Oui, te bouleverse...
Rickie Lee Jones - Rorschach - YouTube
Ce mot est fort ? La voix de Rickie Lee Jones me bouleverse sitôt que je
l’entends et ce, même dans ses titres les plus fun. Elle a ce truc nasillard
mais sans plus qui infléchit le texte et le son de sa voix et ainsi elle
enfonce le clou de l’hyper expression en l’espace d’une phrase, d’une
sifflante, d’un « ttt »...
Elle ne fait pas exprès, et c’est bien ça le truc, c’est juste comme ça,
naturel, profondément féminin, chargé de galères, d’une envie de vie et de
bonheur à venir... et de musique et forcément, ça touche.
...
Bon là où j’en suis, j’ai encore des oubliés... tellement d’oubliés, mais je
les prendrais en compte, vous en faites pas.
Il faudra bien un deuxième état de réflexions...
Là je remarque que je me suis laissé embarquer par ces chanteuses et chanteurs
« à musique »...
Bref, plutôt simple quand on me connait, on se dit, ouais, d’accord, mais quand
même ceux-là, derrière y’a du lourd côté zicos, il nous la joue calif, jazz, rock
classieux, donc forcément ça ne peut QUE chanter...
Même chez Billie y’a un sacré background (et pas que Lester...) – mais ceci
dit, quand elle chante, vous y faites VRAIMENT attention ?...
Bon j’y vais franco, une voix qui m’a toujours gonflé à l'écoute first, c’est celle de Phil
Collins.
Pourtant j’ai toujours adoré très paradoxalement Phil Collins et la récente lecture de sa bio via
les conseils avisés de Charlu n’a fait qu’accentuer ce fait.
Avec lui, il me faut me mettre en condition et d’un coup une sorte de porte
s’ouvre...
c'est l'écoute second...
Elle s’est ouverte avec le titre « In the Air » dont on me dira ok
ras le bol, passe à autre chose...
Oui mais réécoutez le...
Et puis « if living me is easy » là on touche ou effleure le gros
feeling à fleur de peau...
Il y eu encore « That’s just the way it is » avec David Crosby en
chœur et soudainement je n’ai plus décroché de sa voix, comme si j’avais saisi
la profondeur du truc, le sens caché... au-delà de « Sussudio »...
Phil Collins - That's Just The Way It Is - YouTube
Et certaines chansons de Genesis me sont apparues... chef d’œuvre (« blood on the rooftops », "say it's alright Joe").
Alors on parle Genesis et automatiquement me vient la voix la plus unique ou
spécifique que j’ai entendu, genre indéfinissable car rauque mais pas rock, car
cassée mais plutôt abimée, car expressive comme celle d’un acteur, ou d’un
conteur, ou d’un visionnaire – Peter Gabriel.
WHY DONT U TOUCH ME ! « The Musical Box », rien que ça et je me
le résume, une voix tellement chargée d’un sens réellement théâtral, sans autre
volonté que de servir la vie d’un texte, d’une affabulation, d’un monde ancré
dans un esprit parallèle.
Genesis - The Musical Box - YouTube
Puis Peter Gabriel c’est la voix de « Red Rain » avec un traitement
qu’il ne quittera plus et lui donnera une définitive identité.
Peter Gabriel - Red Rain - YouTube
Il faudrait un chapitre rien que pour parler de la sensation que procure la
voix de Peter Gabriel et croiser tellement de sensations.
Allez je me pousse la porte de l’hexagone et me viennent directement trois
voix...
(Je laisse Johnny dans la mélasse judiciaire).
Piaf (normal et pas étonnant), Bashung et Gainsbourg.
Directement je me rajoute Christophe, Polnareff et Brel.
Montand – jamais pu arriver à capter ce qu’adolescent, usé par les microsillons
que mon père passait en boucle parce qu’adorateur du communisme affiché de
l’acteur je considérais comme de l’esbroufe, du superficiel, de la
« poudre aux yeux ». J’en suis encore là et ce ne sont pas quelques
feuilles mortes qui me feront changer, pour l’instant.
Edith Piaf c’était quasi religieux à la maison.
Dès gamin, quand sa voix perçait du haut-parleur j’étais apeuré et fasciné. Ces
rrrr gutturaux, cette gouaille, ce don total de soi dans le corps d’une si
petite femme avec une si grande voix et tant de sens donné par cet organe
minuscule, moi qui faisait du chant, je ne captais pas le comment, mais ce que
je sais c’est que je captais une énergie émotionnelle unique. Et c’est encore
vrai aujourd’hui.
J’écoute Piaf, plus rien n’existe.
Bashung je l’ai découvert ou du moins su l’apprécier fort tard.
C’était « Fantaisie militaire » - sa musique et sa voix tellement
indissociable de ses textes d’une poésie à décrypter.
Cette façon de faire
parler les mots, de les recaler dans le beat, de jouer sur le sens tant musical
que contextuel. Comme une cicatrice, ça te reste à vie.
Puis il y a toujours eu Serge...
On a le compositeur, l’arrangeur, le défricheur, le récupérateur... d’accord.
Le provocateur, ça on sait...
Mais le chanteur – tiens passez comme moi en boucle « Je suis venu te
dire » c’est chargé de sensibilité ça, ça frémit de respirations
haletantes pour accentuer le sens, c’est vraiment interprété...
Et un jour j’ai bloqué sur le live au casino de Paris avec ce retour scénique en
« Javanaise » et je ne cache pas les larmes à chaque réécoute de ce
moment unique d’hyper sensibilité tout comme cette « Dépression au-dessus
du Jardin » qui reste l’un de mes titres fétiches du chanteur pour le
coup...
Serge Gainsbourg - Casino De Paris 1985 - la javanaise - YouTube
Gainsbourg était tant et tant de choses – il était parmi celles-ci, un
merveilleux chanteur et son inimitable parlé chanté (l’école de Vienne
rejoignant le rap) reste un truc facile à analyser, mais un truc complètement
mystérieux à réaliser, car tellement associé à l’artiste.
Parler une mélodie toujours sous-jacente et ne jamais en perdre son fil musical... pour parfois le faire imperceptiblement ou franchement surgir. Quel art de l'expression !
Christophe ? Oui, sa voix écorchée en « Mot Bleus » fait mouche
à chaque fois. Cette fragilité, cette fausse approximation, ces aigus contenus
et cette empreinte de pudeur. Une sorte de mythe.
Les mots bleus (Christophe) - YouTube
Polnareff m’a toujours interpellé – il joue avec sa voix comme avec son piano.
Ses seules limites sont lui-même. Cette redondante facilité qu’il met en avant
pourrait faire oublier que derrière des Tamtams inchantables tant ils sont
techniquement stratosphériques, il pleure des larmes de verre, regrette le
temps de grand maman ou peut assassiner par jalousie. Alors de sucré bonbon acidulé il redevient émotion, car
le sucre, ça fond.
L'homme qui pleurait des larmes de verre - YouTube
Michel Polnareff - Le bal des laze (1968) - YouTube
Brel, difficile, un peu comme Waits, c’est un monument d’implication, il est ce
qu’il chante et devient alors un très grand chanteur. On se fiche alors de sa
voix, ce qu’on retient c’est qu’elle est au service d’une immense expression.
« Ces gens-là » et « Ne me quitte pas » me suffisent...
Comme « Avec le temps » de Ferré me suffira pour lui seul.
Il suffit d’un moment gravé avec une voix imbriquée dans le sens de
l’expression musicale pour que celui-ci franchisse le pas de l’éternel.
léo ferré - avec le temps - YouTube
Maria Callas a franchi ce pas.
J’ai pu dire que je n’étais pas un farouche admirateur car son choix de
transcender l’œuvre vers elle n’est pas spécialement celui qui me plait (comme
Gabin dans ses films) – mais rares sont les divas capables d’une telle complète
identité et ce dans un répertoire d’interprète, classique de surcroit donc
chargé de contraintes, d’écrits, de consignes...
La reconnaitre immédiatement, c’est certain.
Lui conférer un statut de voix unique aussi, car elle a su mener sa voix et sa
carrière avec cette identité directe.
Callas ne laisse insensible.
Je l’écoute pour elle, pas pour l’œuvre.
Bartolli quant à elle réussit à tout associer.
Respect du texte, du contexte, de l’œuvre, du compositeur qu’elle va chercher
en faisant un travail d’historienne de la musique...
Elle a tous les registres, une technique qui suscite l’admiration, une
puissance et un charisme incroyables et puis, elle soupire et peut sotto voce
faire monter l’émotion la plus simple et la plus profonde.
J’en suis fan.
Elle représente l’idée d’une évolution moderne de l’approche artistique du
« classique »...
Son engagement féminin (comme celui de Khatia Buniatishvili) et artistique sera
un exemple pour les générations à venir.
...
Retour en voix arrières.
Directement ému lorsque Marianne Faithfull a posé ses affres avec une
conviction vocale sans détours sur son album « Broken English », le
titre et sa façon d’exprimer ces deux mots, comme si elle peinait à l’exprimer
sans spasmes, sans tout ce que la pensée peut évoquer à la simple énonciation
d’un mot...
Cette voix-là, celle de Marianne Faithfull, une fois qu’on l’a imprimée dans
son conscient on sait qu’elle ne vous quittera plus.
C’est peut-être cela l’un
des mystères de cette alchimie entre la perception organique et la mémoire
sensorielle qui lui est liée.
Un peu comme une saveur, un bon vin par exemple, de ceux d’exception, il suffit
d’une gorgée et d’un retour sur palais pour l’imprimer immédiatement et
irrémédiablement et rien que l’évocation de son nom fait alors agir les sens
restés en mémoire.
Alors Joe Cocker est entré en voix comme en
musiques de « reprises » réarrangée ou réaménagées, reliftées ou
sublimées dans ma part de légende incontournable...
Joe Cocker, intimement lié à cette voix, cette présence physique palpable,
comme un objet aux contours brutes, un objet rare, exceptionnel et hors normes.
Mon album du grand Joe ? « Sheffield Steel », et ces deux
reprises « many rivers to cross », chargé d’une foi que seule sa voix
pouvait re-transcender après l’empreinte de Jimmy Cliff et la reprise du
« Talking back to the night », cette merveilleuse chanson de Steve
Winwwod.
Steve Winwood, justement...
Que je considère comme l’un des plus grands songwriters de tous les temps.
Cet art mélodique, cet art du contour, cet art de la forme, cet art du sujet...
Le musicien multi-instrumentiste n’a jamais oublié qu’il est chanteur.
Sa musique chante comme lui et son chant est partout. Il y a chez lui une
subtilité toute britannique en retenue, en suspens, une semi nonchalance, une
décontraction d’apparence.
Chez Traffic (la version de « John Barleycorn »), avec Blind Faith
(« sublime « Can’t find my way home) ou encore dès son premier
éponyme album solo sa voix m’est familière, comme celle d’un ami, elle me
parle, elle semble intemporelle, hors des habituels repères et pourtant si
palpable.
Joe rend toujours hommage à Steve.
Steve Winwood "Let Me Make Something In Your Life "（1977） - YouTube
Un cri, une libération.
Je ne dois ni peux causer à bâtons très rompus de voix sans m’arrêter sur
l’improbable Robert Plant.
LA voix de Led Zeppelin.
LA voix du hard, du heavy, bref de tout ce qui a commencé à s’alourdir au début
des seventies.
LA voix légendaire du rock, la plus grande disent certains, la plus
représentatives pensent d’autres, la plus incroyable, authentique, unique... On
peut passer le dico des synonymes.
Qui de ma génération a pu passer à côté de Led Zeppelin, porté par Robert
et-ou-avec Jimmy, puis de John et enfin de John Paul ?...
Qui n’a pas été parcouru de frissons ou de plaisirs compulsifs quand il
découvrit la longue plainte de « Since I’ve Been lovin’ You », ce retour
vocal sidéral, cette voix qui hurle un blues, qui reprend son pouvoir
charismatique balayant tout sur son passage, perchée en haut d’une montagne
sacrée, positionnée en mythe.
Qui ne sait faire les han, han, hein hein qui font vibrer les foules même quand
on est seule foule dans son salon, ceux qui précèdent le break d’anthologie de
John dans « Black Dog » ?
Qui n’a pas essayé en vain de donner le max tant d’énergie, que de puissance et
bien entendu d’aigus inaccessibles en
fin de parcours de ce « Stairway » là aussi d’anthologie, tentant d’approcher
l’impossible en braillant avec Robert et se casant la voix pour le reste des
heures de la journée redescendant automatiquement au registre de Tom
(Waits) ?
Robert Plant reste un « phénomène » vocal à part entière, une hyper
identité tant personnelle que représentation vocale de deux paires faisant
quatre.
Si l’on aime le rock, on aime Robert Plant, comme s’il était impossible de
dissocier tant de figures parallèles, de sensations combinées, d’images
représentatives, de symboliques devenues légendaires en quelques décennies.
L’un des chanteurs avec lesquels j’ai bossé voici des années, le genre de gars
impossible à oublier, ce dans un contexte pourtant rythm’n’blues m’a dit un
jour alors que je le questionnais sur l’incroyable énergie qu’il insufflait en
live « J’ai toujours en tête Robert Plant – il est le plus grand et
l’inaccessible, mais si tu te le fixe comme repère et comme objectif tu ne te
décevras jamais ».
Led Zeppelin - Rock and Roll HQ - YouTube
Chez le Pourpre on a eu principalement deux voix (la seconde ayant été accolée
à une troisième... on voit ça en passant).
Ian Gillan, qui a eu pour démontrer sa véracité et sa férocité vocale son
« Child in Time ».
Une voix suraiguë, pointue, agressive (pas autant que les divers gueulards de
chez AC/DC tout de même), nerveuse et acide, parfois capable d’un brin
d’émotion, plutôt encline à électriser les foules et se tirer la bourre avec
Richie, trop heureux en ce temps d’avoir un alter-ego lumière, lui qui œuvrait
en côté obscur.
Ce Purple là, c’est celui de mon adolescence et « Into The Fire » est
son hymne.
« Smoke on the Water » son fer de lance et « Live in
Japan » son testament.
Puis il partit et dès l’entrée de son successeur je suis tombé dingue de cette
voix rocailleuse, trempée dans le blues-rock, chargée de feeling machiste,
gueulant avec retenue, pleurant avec virilité, aguicheuse, dragueuse, sorte de
représentation du mâle rock pour ados en quête d’authenticité d’avant punk.
David Coverdale est apparu et je ne l’ai plus quitté.
La nouvelle voix du Pourpre dès l’entrée de « Burn » fit couler
beaucoup d’encre.
Le groupe avait pourtant gagné là en soul, en blues, en racines aussi.
« Mistreated », mon titre fétiche de Purple reste – en studio comme
en live – la pièce maîtresse taillée pour David Coverdale.
Coverdale, parti ensuite pour Whitesnake, est à mon sens l’autre pendant de cette
voix gravée au sceau du rock.
Même Jimmy Page est venu le chercher pour un
Coverdale/Page qui aurait dû faire immense carrière et qui n’est resté que
rencontre à peine remarquée.
Et puis, David version Purple, il se tirait la bourre pas toujours amicale avec
Glenn Hughes qui, malgré une occupation des deux mains fixée à la basse pour
accrocher le tempo implacable de Ian Paice, lui en faisait voir tant
scéniquement que vocalement. L’espace de lead à partager ressemblait bien plus
à un ring pour médaillés qu’à un bar entre potes.
Glenn en sortait souvent vainqueur immédiat de cet espace de battles,
naturellement aidé par une voix aux aigus trempés dans la black soul influencée
par le maitre Stevie (Wonder), il ne se gênait pas pour tirer quelques
cartouches puissantes accrochant directement l’auditeur.
David puisait (et s’épuisait) alors dans le fin fond de son blues, laissant
virevolter son brillant adversaire, puis il revenait, plus rocailleux, plus
profond, plus geignard et reportait la mise émotionnelle.
Glenn Hughes reste à pour moi l’autre héro issu des profondeurs pourpres.
Dépositaire de ce hard blues devenu hard funk, sa voix torride l’a largement
porté, malgré des écarts destructeurs, vers des sphères inédites, vers des
espaces expressifs mixtes, multiples, synthétisant les genres et les modes
d’expression.
Quand on a un tel « organe » et, qui plus est qu’on est un musicien
plus que talentueux, alors le champ de possibilités s’ouvre largement. La
musique de Glenn Hughes, sa voix à l’incroyable puissance – même quand il pique
maintenant en toute amitié le « Mistreated » de David, en live – est d’une
clarté et d’une précision, d’une justesse à frémir.
Et chargée d’un feeling gros comme son cœur.
Les battles...
Ça m’a toujours laissé perplexe que cette expression quand elle use de la
musique comme espace.
Mais à y réfléchir, je me refais la scène du Bird de Eastwood avec le jeune
Charlie Parker.
Je repense à ces soirées bœufs en scènes soi-disant ouvertes dans des jazz
clubs tenus par de piliers face auxquels il n’y a pas d’autre alternative –
crois-t-on – que d’en « foutre plein la vue »...
Je me suis retrouvé parfois dans ces espaces où il faut jouer des coudes pour
prendre sa place.
Peu technicien, je m’en suis toujours sorti avec le jeu de l’expression, c’est
peut-être pour cela que celle-ci – bien qu’on me prête facilement l’idée de
passionné de zic pour zicos, donc technique – que je sais que j’oublie parfois,
embarqué dans des us inutiles, est la clé qui ouvre toutes les portes.
Les pires battles sont ces déflagrations de braillements auxquelles on assiste
dans « The Voice » (en mode Kids, c’est encore pire mentalement, car la cour de récré reste perceptible, mais c'est pourtant là souvent le meilleur de l'expressif) – mais le public
a toujours eu besoin d’arènes, de jeux, de perdants et de vainqueurs... de
gladiateurs...
