DETOURS CLASSIQUES 01 … Johann Gottlieb Janitsh / Maurice Ravel / Ralph Vaughan Williams

DETOURS CLASSIQUES … Johann Gottlieb Janitsh / Maurice Ravel / Ralph Vaughan Williams

Un peu de classique, pour cette rentrée. avant qu'elle ne s'agite ...

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JOHANN GOTTLIEB JANITSH : « Chamber Music for Oboe and Strings » | ATMA Classique 2025.
Christopher Palameta / Notturna.

Johann Gottlieb Janitsh (1708 – Sweidnidtz/Swidnica | 1762 – Berlin).
Encore un « oublié » de l’histoire de la musique, comme nombre de ces compositeurs dont l’œuvre a été rangée dans les placards de l’histoire, le temps et ses vicissitudes faisant le reste.
En effet, après avoir été léguée à la Singakademie de Berlin, pillée par l’armée rouge pendant la seconde guerre mondiale, l’essentiel de son œuvre manuscrite est considérée perdue.
C’est en Ukraine qu’on en retrouve de ces manuscrits, qu’il faut cataloguer, trier, réécrire.
Fort heureusement l'éditeur Breitkopf & Härtel en avait édité, en son temps, une grande partie ce qui permet aujourd’hui de remettre ce compositeur dit de l’école de Berlin, un peu au répertoire.

Johann Gottlieb Janitsh, contrebassiste (contre-violoniste disait-on à cette époque lointaine) et compositeur eut pourtant un succès plus que d’estime de son temps occupant des postes importants à la cour de Prusse.
Il va très vite entrer au service du jeune prince héritier Frédéric qui deviendra Frederic II dit Frederic Le Grand, ce dès 1732, année où le prince décide de créer un orchestre privé.
Cet orchestre le suivra par la suite et assurera à Johann Gottlieb Janitsh une situation des plus confortables, organisant à la cour les académies du vendredi et lui permettant d’affiner son style galant.
Il participera au sein de cet orchestre à la création de la fameuse école de Berlin.

Il existe tout de même quelques enregistrements de la musique généralement chambriste du compositeur, bien qu’il eut réalisé plusieurs commandes pour la cour selon les événements.
Il a également composé des pièces pour clavecin ou pour orgue mettant en avant sa parfaite maitrise du contrepoint.

Je me suis arrêté sur cet album empreint dès sa « sonate da caméra en sol mineur » d’une infinie mélancolie qui laisse pointer les sentiments les plus denses et subtilement pudiques, tel que le voulait cette époque de détours,  de non-dits, sous-entendus et mystères de l’âme.
Le hautbois est ici à sa place expressive comme l’instrument quasi irremplaçable pour "chanter" ces affres de la vie noble et sentimentale tant décrire et exacerbée dans de nombreux ouvrages écrits et films issus, dont les drames sournois ont été le creuset de réalisateurs en besoin de sujets « historiques ».
Femmes à la peau blanche, parfumées et poudrées, se pâmant devant gentilshommes galants et ambitieux, jardins taillés en fausse nature, précis comme les méandres labyrinthiques de cette écriture musicale, où chaque dessin de chant, contrechant et point est précieusement et méticuleusement pensé.
Pourtant, au-delà de ces contraintes quasi scientifiques de l’écriture musicale et de la société qui veut ne laisser paraitre, enfouissant tant que possible ses sentiments humains pour qu’ils finissent par s’exacerber, la beauté expressive de ces compositions interrompt immédiatement le fil de nos quotidiens en s’installant avec un naturel - quelque peu enrobé de sensiblerie - qui déploie, au gré de ces magnifiques mélodies et de leurs compagnons sous-jacents une élégance et un raffinement rares.

La souplesse de l’ensemble Notturna qui accompagne chaque phrase avec rondeur, élégance diaphane et brodée, le chant léger et intime du hautbois de Christopher Palameta nous font nous promener en ces temps lointains, chargés de poésie, de mots choisis, d’architecture tant massive que distinguée et d’une subtile esthétique, de décorum où rien n’échappe à l’homme et où le sens de la beauté n’est vain mot.

En ouvrant ce chapitre musical au classicisme somptueux où les sentiments se croisent avec l’écriture rigoureuse, je veux découvrir encore plus de l’œuvre de ce compositeur que fut Johann Gottlieb Janitsh – une quête salutaire qui renforce mon intérêt de toujours pour ce classicisme post baroque qui ne faiblit pas.
Le soir, au retour de la chaleur et du bruit, quand le ruban de l’asphalte défile sous les yeux attentifs alors que l’esprit et les oreilles sont fatigués…
Le matin au réveil alors que tout se lève et que l’espoir d’un jour des possibles est de mise.

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BRITTEN QUARTET : « Ravel String Quartet – Vaughan Williams : On Wenlock Edge & String Quartet N°1 » | Warner Classics 2026.

Nouveauté Warner de cette année, ces quatuors soyeusement exécutés par le Britten Quartet m’ont éclairé la semaine, puis le mois…
Soyeusement est un terme que je prends plaisir à utiliser ici car c’est si rare que les quatuors à cordes soient ainsi interprétés, sans rugosité, sans acidité (en particulier pour les violons 1 & 2), sans insistance de l’archet qui énerve la sonorité, sans « raideur ».
C’est en premier lieu Ravel qui va en bénéficier de cette mise en délicatesse, en souplesse pour un quatuor, comme toujours chez lui, d’une immense inventivité tant d’inspiration (la muse chez Ravel a vraiment fait un très long séjour, sur sa vie entière) que de positionnement instrumental, donc « orchestral ».
Ravel, on le sait, fut un orchestrateur tant génial qu’innovant et la magnificence de ses pièces orchestrales en attestent.
Ses pièces pianistiques aussi, puisqu’elles furent déployées pour l’orchestre.
Il en va de même pour sa musique chambre, moins plébiscitée, moins connue, mais tout aussi captivante et intéressante.

Maurice Ravel a composé ce quatuor en 1903.
Il avait 28 ans, était déjà un compositeur reconnu en France et sa réputation internationale était en devenir.
Il a dédié cette œuvre à son professeur Gabriel Fauré qui lors de la première le 05 mars 1904 à la Société Nationale de Musique ne la reçut, ni la perçut avec le moindre enthousiasme.
Lalo, quant à lui, la critiqua comme étant ressemblante à l’œuvre de Debussy.
Debussy par contre était un grand admirateur de Ravel.
On aime faire le rapprochement entre le quatuor à cordes de Debussy, composé en 1893 et celui de Ravel.
Cela semble logique comme une sorte de filiation entre cette volonté de créer et rompre avec les usages formels séculaires. Mais si Debussy est un impressionniste qui image avant tout et au-delà de la forme, sa musique, Ravel tout en l’étant également ou du moins s’en inspirant, va remettre ce principe de la forme en place.
C’est aussi là son génie.
Ravel se penche toujours sur le passé (« Tombeau de Couperin », « Infante défunte ») dont il sait exploiter, à sa façon, les codes et règles pour les adapter à l’actualité de son époque.

Ce quatuor est en quatre mouvements et là où généralement le mouvement lent intervient en second, c’est le scherzo joué pizz qui prend la seconde place, le mouvement lent sera relégué en troisième position (avec de nombreux changements de tempo).
Le rôle de l’alto est important tout au long de l’œuvre ce qui lui confère une densité particulière et modifie sensiblement le rôle souvent prédominant du premier violon.
Ce rééquilibrage de rôles instrumentaux est d’emblée ce qui va rendre le quatuor attractif et c’est aussi ce que les interprètes de l’album ont pris en compte replaçant ainsi l’écoute analytique de la pièce.

La musique de chambre de Ravel reste à découvrir.
Elle recèle tout autant d’innovations que le reste de son œuvre et cet intimisme qu’elle exprime, de fait, nous fait plonger dans un Ravel où la sensibilité est immédiate, palpable dès les premières notes.
Ce quatuor est tant superbe que magnifiquement compris et interprété ici.

Ralph Vaughan …
Découvert et adopté il y a bien longtemps avec sa suite Greensleeves, à l’époque où je m’intéressais à tout ce qu’avait enregistré Sir Neville Marriner réellement sorti de l’ombre de mes faibles connaissances par ses interprétations devenant ainsi références, de Mozart, cf le film Amadeus.

Sa musique de chambre est à l’égal de ces grandes pièces symphoniques qu’il composa.
Elle mérite un arrêt sur image sonore et après Ravel, « On Wenlock Edge » avec le ténor Philip Langridge et le pianiste Howard Shelley opère comme une transition bienvenue.
Un cycle de mélodies avec quatuor à cordes et piano, voilà bien qui est d’emblée, original et mérite qu’on s’y attarde.
Le matériau, six poèmes extraits du recueil « a shropshire lad » (1896) de A.E  Housman qui en comporte à l’origine 63 – un recueil qui connut une grand succès auprès des jeunes lecteurs, un public auquel les « chants » du recueil étaient destinés.
D’abord écrite dans cette version cette œuvre fut ensuite orchestrée mais aussi réduite pour duo ténor/piano, un peu comme le faisait Ravel avec son matériau créatif (cf les nombreuses versions de « Ma Mère L’Oye ») – est-ce là l’un des fils directeur de l’album ?
Peu importe.
Par contre on ne peut rester insensible à l’originalité tant d’écriture que d’inspiration mélodique que le compositeur a transposé sur ces petits joyaux poétiques en exploitant une palette de jeu instrumental des plus larges avec des nuances expressives d’une rare subtilité qui obligent le ténor à une articulation et une retenue d’interprétation peu communes.
Ces six (presque) miniatures permettent une transition plus qu’anecdotique (j’ai même pris un plaisir remarquable à isoler ces chansons pour les écouter à part du concept, en tant que telles) entre les deux quatuors, celui de Ravel et celui de Vaughan Williams.
Elles offrent une pause qui va permettre de sortir du langage si moderne de Ravel pour s’engager vers celui de Vaughan Williams – c’est une gestion très intelligente du programme de l’album et en même temps cela permet de découvrir une œuvre chambriste peu jouée, ni connue.

Passons maintenant à ce quatuor, le premier (Vaughan Williams en a composé deux).
Le lien avec Ravel est bien là, en effet.
Dès son retour de Paris en 1902 le compositeur qui était allé faire un séjour d’études auprès de Maurice Ravel s’attelle immédiatement à composer cette œuvre effectivement parallèle à bien des égards à celle du maitre.
Il ne faut pas pour autant s’attarder à ces seuls points de comparaisons musicologiques et techniques et en écoutant attentivement l’œuvre on note nombre de caractères spécifiques au compositeur britannique dont cette dimension mélodique qui s’impose immédiatement dès le premier mouvement (Allegro Moderato).
De facture moderne tel que l’entend cette époque où le vingtième siècle débute, souhaitant artistiquement et créativement s’émanciper de l’axe romantique et cherchant d’autres pistes tant d’écriture que d’inspiration, de forme, de caractère et d’impressions, ce quatuor à l’écriture académiquement parfaite, va mettre cet académisme au profit d’une calligraphie musicale précise, au dessin clair et minutieux.
Les chants et contre-chants s’entrecroisent en semi contrepoints, le fil mélodique circule à l’intérieur et à l’extérieur du quatuor, permettant une écoute d’attention permanente.
Toute la palette de jeu (le second mouvement Menuet et Trio – un trio admirable de rupture et de concision à l’intérieur du mouvement - et ses pizz magnifié avec ce petit motif court, léger, qui circule et sert d’argument) d’écriture des cordes jusqu’aux tessitures larges et amples est présente tant que possible pour renforcer l’inspiration et l’expression.
L’atmosphère intime et sentimentale qui s’en dégage avec ce côté antiquement moderne (tel qu’aimait le faire Ravel de façon imagée, architecturale tant que formelle) installe une pression musicale qui touche réellement l’auditeur.
Comme toujours le mouvement lent (le 3^e, Romance, Andante Sostenuto) crée le point d’arrêt sensible – les 4 cordes s’entrelacent dans un tracé en équilibre quasi contrapuntique qui finira par une réunion quasi chorale soutenue par un violoncelle ample et généreux.

Je ne peux m’empêcher de penser ici au somptueux adagio pour cordes de Samuel Barber – moment fort du répertoire classique et de l’écriture pour cette catégorie instrumentale qui exige un savoir-faire orchestral rigoureux tant qu’apte à transcender l’inspiration.
Le dernier mouvement rythmé (Finale, Rondo capriccioso), semblant faire ressurgir l’inspiration populaire chère à Vaughan Williams, conclut cette œuvre chambriste magistrale, inspirée et captivante qu’il faudra plusieurs écoutes et tant d’autres afin d’en apprécier toute la splendeur.

Le Britten Quartet l’interprète, en tout cas, avec un remarquable brio.

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Deux albums chargés de pièces qui pourront ravir tant les amateurs de musique classique que tout le monde finalement, pour peu qu’une envie curieuse pousse à sortir de ses rangs.
Et puis, si l’on pense à Sheller, ou à Elvis Costello et ses Juliet Letters, peut être bien qu’on fera un lien, en tout cas avec Ravel et Vaughan Williams, sur cette écriture exacte tant que charmante qu’impose la musique de chambre.

à bientôt pour la suite.