SI VOUS AIMEZ LE JAZZ … (08)

SI VOUS AIMEZ LE JAZZ … (08)

Reprenons le fil estival pour le jazz.
Format K7, comme toujours ici.

Face A.

01- JEFF LORBER : « A Night in Tunisia » - Album « BOP – To help fund the cure for PKD » | Water Sign Records 2015.
Jeff Lorber, keys / Brian Bromberg, bass / Harvey Mason, drums / Chuck Loeb, guitar / Till Brönner, trumpet / Rick Braun, trumpet, trombone / Everette Harp, saxophone.

Les causes et les réunions pour les défendre, les soutenir et récolter des fonds.
Fréquent dans la pop, le rock, la variété internationale ou de chaque pays (en France les restos du cœur, un exemple parmi tant d’autres), ce genre d’action caritative est plus rare en jazz (ou du moins plus confidentielle).
Ici, sous l’initiative de Jeff Lorber ils se sont réunis pour aider la recherche pour soigner la polykystose rénale.

Dois-je rappeler que Jeff Lorber est l’un des pianistes jazz fusion que je préfère ?... son style, son jeu limpide et chargé d’emprunts blues, gospel et bop, sa haute technicité jamais démonstrative mais systématiquement groovy ou mélodique, sa maîtrise parfaite de tout ce que le terme clavier a pu engendrer depuis que le piano est passé à l’électricité en additionnant orgues et synthés de tous poils…
Bref Jeff Lorber fait partie à mon sens des plus grands, mais aussi des moins véritablement acceptés, car son jazz étiqueté « smooth », du fait qu’il soit, qui plus est, un excellent producteur pour des albums au son très calif’, entre dans une catégorie que nombre boudent.
Curieux que j’écrive cela au moment où, justement, on évoquait le débat des musiques dites d’ascenseur…
Personnellement, je préfère de la bonne musique dans un ascenseur, qu’elle soit de quelque facture, diverse et variée, plutôt qu’aujourd’hui cet abreuvement mental de pseudo house avec quick ultra présent et scintillements d’aigus polaroïds d’où l’on ne distingue rien de véritable si ce n’est un beat obsessionnel qui fait jeune pour faire jeune et remplit les poches des créateurs de playlist à destination commerciale de chez Spoty.

Revenons ici sur ce « Night in Tunisia », certainement là encore, l’un des premiers titres que j’ai commencé à ânonner au piano quand j’ai décidé de passer au jazz…
Un titre qui joue avec les séquences rythmiques, qui offre un somptueux stop chorus (celui de Bird est et reste dans toutes les mémoires) et qui de par sa forme est un formidable tracé pour tout improvisateur digne de ce nom.
Il y a bien longtemps, j’ai interviewé Dizz et lui ai longuement parlé de la version qu’en fit Chaka Khan, un souvenir d’étagère que cette rencontre initiée par un journaliste local qui voulait un « spécialiste » local pour rencontrer la star et avoir ainsi un « papier » de qualité.

Jeff a un carnet d’adresse et de téléphones des plus remplis de noms célèbres, aussi quand il a décidé certainement de répondre à l’appel pour cette cause médicale, il n’a eu qu’à réserver son propre studio (pas bien compliqué), choisir une date et faire un planning de disponibilités.
Il a ensuite sorti le tout sur son propre label.
C’est parfois simple, en fait.

L’envie est là, l’exécution du titre franchit certains sommets… de la haute voltige bop !
Le quartet Lorber, Loeb, Bromberg, Mason est très soudé et cela permet à Till et Everett de décoller grave, comme on dit, autrement dit d’envoyer, comme au club, sur ce matériau musical usuel, mais pourtant pas si joué que ça.
Il faut dire que ce titre recèle bien des petits pièges qui sont autant de possibilités de jeu et qu’il implique par là une faculté d’appréciation d’intention des plus captivantes tant pour le musiciens que pour l’auditeur.

Ouvrir cette nouvelle série par ce titre c’est entrer dans le club, s’asseoir et écarquiller les yeux et surtout les oreilles.

02- CHAKA KHAN : « I Hear Music » - Album « Echoes of an Era » | Elektra Musician 1982.
Chaka Khan, vocals / Freddie Hubbard, trumpet, flugelhorn / Joe Henderson, tenor saxophone / Chick Corea, piano / Stanley Clarke, acoustic bass / Lenny White, drums.

Eux aussi s’octroient une pause jazz, après des délires funk, jazz rock et presque jazz prog (return to forever), nouveau label et envie de s’y remettre, à quoi ? au jazz.
On se convoque une petite réunion en studio, on sort le grand jeu, Chaka va sortir de sa zone funky discoïdante qui commence à lui coller à la voix.
Corea peut enfin et encore démontrer sa fascination monkienne, Stan démontre de son côté qu’il est aussi un formidable contrebassiste et que selon les contextes, il connait bien son sujet … le jazz.
Lenny surprendrait presque dans ce contexte, mais ne nous leurrons pas, lui aussi a usé les tabourets et les cymbales des clubs par son swing infaillible.
Pour parfaire la direction moderniste de ce jazz post hard bop, réactualisé tant en langage qu’en synthèse de jeu, on invite le bon vieux pote Freddie à caresser les aigus et l’ami de toujours Joe pour le moelleux du dessert.
Chick, décidément use de tous les formats monkiens, il le fera désormais bien (trop) souvent quand il se mettra au piano acoustique, comme Gould avec Bach, à chacun son patrimoine.

Et Chaka, dans ce contexte, amène ce petit autre chose qu’aucune chanteuse « de jazz » n’a dans son escarcelle. Et c’est peut être bien là « le truc » qui fait rend cette approche de ce standard si déviante tant que captivante.

03- RANDY CRAWFORD & JOE SAMPLE : « But Beautiful » - Album « Feeling Good » | PRA Records 2017.
Randy Crawford, vocals / Joe Sample, piano / Christian McBride, bass / Steve Gadd, drums.

Je m’assois et je rêve.
Une forme de perfection vient d’entrer dans mon espace auditif.
La voix, si chargée de ce petit vibrato unique et sensible.
Le jeu pianistique qui saupoudre avec parcimonie ses grappes de notes en parfait filigrane du chant.
Le son chaleureux et rond d’une contrebasse qui vibre de bonheur.
La douceur des balais qui assouplissent un propos déjà bien fin et délicat.
Un solo ? à quoi bon… pas la peine d’en rajouter, la partition se suffit à elle-même.

Une chanson qui parle d’amour, une chanson d’amour, une des plus belles du répertoire des standards et comme son titre, c’est aussi, ici son interprétation qui l’est : « beautiful ».

 
04- SPYRO GYRA : « Silk and Satin » - Album « Got to the Magic » | Windham Hill Jazz 1999.
Jay Beckenstein, alto saxophone / Tom Schuman, keyboards / Scott Ambush, bass / Joël Rosenblatt, drums / Julio Fernadez, guitar / Randy Andos, trombone / Barry Danielan, trumpet, flugelhorn, arranger / Scott Kreitzer, flute, saxophone / Chuck Loeb, composer.

Spyro Gyra, ça existe depuis de lustres et ça brille, ça a toujours brillé.
Le groupe de freaks à la cool de NY, qui a émergé en même temps que la vague des Breckers, Sanborn, Lorber et autres Yellowjackets, jean trop large et chemise décontract’ est un emblème de ce jazz qui était déjà smooth bien avant qu’on n’ait l’idée de lui affecter cet étiquetage.
Inclassable Spyro Gyra quand ils ont sorti leur premiers albums.
Suspects même…
Pas jazz au sens où les jazzeux à œillères en avaient la seule estime, pas jazz rock parce que le rock, pour eux, voyez-vous c’est bien rare qu’ils le côtoient réellement, même si Julio aime de temps à autre ouvrir un peu les écoutilles pour saturer sa guitare.
Spyro Gyra ils ont toujours cherché ailleurs, le jazz certes, comme dans ce titre est bel et bien dans leur présent, ils aiment groover et avec leur équipe c’est peut être bien leur réel crédo. Et puis comme ils sont très cools, ce même quand ça envoie, ils aiment flirter avec toute la panoplie du latin jazz, bossa, salsa, mambo et chacha, rhumba, samba, bref…

Il en est passé des musiciens chez Spyro Gyra, une hydre à deux têtes ce, depuis leur création. Toujours au poste Jay et Tom composent, arrangent, produisent, jouent saxes et claviers (Tom a certainement dans son local tout ce qui est sorti de matos claviers depuis les années 70…) et au gré des décennies ils ont recruté.
Ils en ont fait connaitre certains (Spyro Gyra tourne énormément, c’est avant tout un groupe de scène et on sait bien qu’en jazz, de la scène nait le succès, la reconnaissance et la lisibilité), ont bénéficié de leur « statut » pour en attirer d’autres (Thielemans, Gadd, Miller, Hey Horn Section…).
Puis au milieu des années 90 l’équipe s’est enfin figée et le groupe a pu renforcer son identité déjà bien affirmée. Scott, Joël et Julio ont posé leurs valoches avec leurs instruments respectifs et ont creusé le sujet au plus profond de ce que le groupe pouvait espérer et de là, chacun de leurs albums a bénéficié de cette estampille immédiatement reconnaissable là où c’était Jay qui faisait le grain du groupe, Tom en second lieu était le fabriquant de textures.

Dire que ce groupe a toujours forcé mon admiration est peu.
C’est une carrière admirable, un engagement esthétique réel et en tout cas clair et volontaire.
Ce sont des pionniers d’un genre qui s’est généralisé et galvaudé.
Eux sont restés intègre à leur truc et ils en restent les fidèles défenseurs.
Ce « jazz là », il y en a beaucoup qui le boudent.
Trop lisse, trop easy, trop soigné, trop « propre », un peu comme le rock dit Calif’, rien ne déborde, ne dépasse.
Des super pros et si cette barre si haute est loin d’être négligeable, justement, c’est grâce et par des musiciens de cette trempe que tout a évolué, est possible et que le jazz a pu sortir de son ornière élitiste.

On leur doit beaucoup et on doit beaucoup à leur résistance face à l’intégrisme artistique qui ne respecte pas la pluralité mais veut que le seul engagement musical soit le sien.
Vous apprécierez, ou non, mais cela existe bel et bien et cela fait partie du paysage musical.
A chacun ensuite le droit et l’envie de sa destination…
Moi je prends régulièrement le ticket pour Spyro Gyra.

05- YELLOWJACKETS : « Swing with It » - Album « Raising Our Voice » | Mack Avenue Records 2018.
Bob Mintzer, sax & EWI / Russell Ferrante, piano / Dane Alderson, bass / William Kennedy, drums.

Yellowjackets n’est pas forcément le groupe le plus « accessible » de ce jazz qui a été classé dans la « fusion ».
Russell Ferrante, très brillant pianiste et keyboardiste, a lui aussi époques oblige, usé tout le panel de synthés mis à sa disposition au fil des quelques décennies qu’a parcouru le groupe.
Ce groupe a considérablement évolué et muté, au fil du personnel, là aussi changeant… et tenir le cap musical et esthétique, on le sait tous, s’avère complexe quand les musiciens vont et viennent.
Puis est arrivé le formidable Bob Mintzer, arrangeur hors pair qui a remodelé le concept du Big Band en créant des modes d’écriture et de jeu devenus, au fil de ses compositions, des standards référentiels du genre moderne.
Mintzer a-t-il accepté l’offre de Yellowjackets comme une pause pour reprendre le chemin de sa carrière de saxophoniste, on peut affabuler sur cette idée, mais au sortir il est devenu le second pilier du groupe et Yellowjackets, avec Mintzer a trouvé tant sa direction que sa couleur.
On le sait, les compositions du saxophoniste aiment à être tant complexes que « tordues » et peu évidentes de prime abord, c’est un peu le cas ici.
Entrer dans le thème suppose une assimilation provisoire car d’abord il ne coule pas franchement sous le sens, mais tout cela est très vite rattrapé par un solo bluesy pur facture, un « swing d’enfer » insiste et lance Russell, égal en approche à lui-même, entre des recherches de dessins complexes et un patrimoine churchy, ce qui rend tous ses solos profondément personnels.
Kennedy a un jeu très Big Band, l’écriture du thème s’y prête, Mintzer oblige … et Alderson colle comme la glue au sujet.

Vous ne siffloterez pas le thème du jour au lendemain, mais cela n’empêche pas d’admirer comment ce groupe typique d’un certain jazz fusion eighties a su et pu garder le cap et rester jazzistiquement encore vivant et de très haute volée.

06- TOM SCOTT : « Stars fell on Alalama » - Album « Cannon Re-Loaded » | Concord 2007.
Tom Scott, alto saxophone / Dave Carpenter, bass / Steve Gadd, drums / George Duke, piano.

Tom Scott invite ses amis à rendre un hommage vibrant au saxophoniste altiste Julian Cannonball Adderley.
Un hommage à son répertoire, à son jeu également, cette façon qu’il avait d’entrer de plein fouet dans le sujet, directement, immédiatement, sans détours.
Mais Cannonball savait aussi pénétrer dans cette suavité bluesy, sereine et chargée de cette profonde émotion qu’il transmettait, là aussi, sans détours.
Qu’il ait influencé un artiste comme Tom Scott n’a rien d’étonnant, qu’il lui rende hommage non plus, il ne reste qu’à tamiser les lumières admirer les étoiles filantes ou non et se laisser aller.
Merveilleux et merveilleusement porté par le trio Carpenter, Gadd avec un George Duke particulièrement subtil.
Des gars qui connaissent leur jazz de club sur le bout de l’instrument et du feeling.

07- GERI ALLEN : « Daybreak and Dreams » - Album « The Gathering » | Verve 1998.
Geri Allen, piano / Buster Williams, bass / Lenny White, drums.

Quelque part, beaucoup de ce que j’adore dans le jazz dit moderne est là.
Le jeu pianistique lyrique et ample, pouvant passer d’un bop engagé à un espace presque classique dans l’amplitude.
La souplesse et la liberté de la basse et le jeu ouvert de la batterie, très très proche de Tony Williams.
Un titre au cours duquel « il se passe beaucoup de choses » pourrait-on dire.

On le prend dans sa texture générale sans prêter gare à tel ou tel instrument et déjà on adhère à un sujet pourtant d’enrobage peu classique puis on réécoute et si l’on prête attention à chacun alors on prend conscience d’une écoute tant que d’une liberté qui forcent l’admiration.
Tout, sur un sujet pourtant peu aisé, semble couler d’une source limpide et s’étire vers un horizon grandiloquent, offrant un paysage sonore avec juste des moyens … musicaux.
Geri Allen est une pianiste qu’il faut écouter, vraiment.

08- MICHEL PETRUCCIANI, STEPHANE GRAPPELLI « I Got Rythm » - Album « Flamingo » | Dreyfus Jazz  1996.
Michel Petrucciani, piano / Stéphane Grappelli, violon / George Mraz, bass / Roy Haynes, batterie.

J’ai beaucoup écouté cet album du temps où Michel Petrucciani avait un succès des plus mérités en France, sorte de figure de proue hexagonale du jazz à l’internationale.
Pourtant, même si j’admire son jeu pianistique, je dois avouer qu’il ne me touche pas (et ne m’a jamais touché, malgré de nombreuses écoutes afin d’entrer dans « son style »), ou trop peu à l’inverse de Stéphane Grappelli qui, même si, ici, se laisse embarquer dans un surplus de virtuosité peu essentiel (du fait de sa proximité avec le pianiste féru du genre à en mettre partout) installe immédiatement l’intérêt.
Cet album sortait à l’époque des sentiers battus de l’un comme de l’autre des deux leaders.
Il était qui plus est accompagné par deux véritables stars du jazz américain, aussi il a eu un succès, un impact et une estime qui ont été légitimes.

Avec le recul, même si je reste admiratif de la performance de chacun (qui ne le serait pas ?), je garde toujours en moi ce petit oui mais bon … qui fait que, à part ce titre remarquablement positionné, les « grandes rencontres », paramétrées, organisées pour l’événement, font peut être les grands disques que l’on aimerait croire entendre.
Mais pas forcément la plus grande des musiques.
Il me manque là un petit truc essentiel qui n’est ni dans l’incroyable jeu (c’est peut être bien le solo de contrebasse qui me captive le plus) de chacun, dans leur rencontre se voulant légendaire, dans leur humeur forcément bonne de se retrouver là à jammer sur des thèmes qu’ils ont sur le bout des doigts. Et ce n’est pas ce solo de batterie de Roy à la sonorité vraiment trop serrée et au format classique qui me convainc outre mesure.
Mais, dans une playlist, cela fonctionne à merveille et en plus j’adore ce thème de Gershwin et par Grappelli, il prend ce côté jovial inévitable.
Alors…

09- BILL EVANS, SHELLY MANNE « With a Song in My Heart » - Album « Empathy » | Verve 1962.
Bill Evans, piano / Monty Budwig, bass / Shelly Manne, drums.

On va se radoucir pour terminer la face.
Bill distille son nectar de notes tel que lui seul sut le faire et les dire.
Il laisse beaucoup d’espace, de place à Shelly (qui nous offre un solo en fin de parcours absolument délectable de finesse et d’intelligence) avec qui il partage l’album, Monty aura aussi son mot à dire.
Ce trio est parfait, ce thème peu joué, ce modernisme est maitrisé et assumé, totalement, simplement et avec une subtilité qui dépasse l’entendement commun.
Cet album n’est pas l’un des plus plébiscités de l’immense discographie du pianiste qui a révolutionné le jeu de l’instrument en jazz et pourtant il reste l’un de mes préférés, aussi en partager un titre est pour moi une occasion de le mettre en éclairage.
Bill déstructure la forme jusqu’à partir free en coda pour un dialogue avec Shelly Manne qui attise l’intérêt et replace, peut être bien, l’idée que l’on peut avoir du pianiste…

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La face A est terminée.
Elle est peut-être moins easy, ou bluesy, ou même tant jazzy que cela.
Un peu d’exploration, une peu de déviance légère par rapport au parcours parfois cadré.
Quelques routes et chemins de traverse, quelques arrêts pour admirer les paysages qu’offre le voyage.

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On respire, on fait la pause, on assimile, qui sait, tout ce qu’on vient d’entendre et d’accepter.
Et, hop !
Face B.

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10- JAN GARBAREK « Dansere » - Album « Dansere » | ECM 1976.
Jan Garbarek, saxophones / Bobo Stenson, piano / Palle Danielsson, bass / Jon Christensen, drums.

Certes le titre est long mais il installe un tel développement qu’on se laisse réellement envouter.
Ce titre est représentatif d’une forme de liberté qui reste le crédo de ECM.
Un thème magique, avec cet unisson ténor/contrebasse archet qui renforce le lyrisme, les deux sonorités se « collant » l’une à l’autre.
Un piano qui tournoie en haute voltige, faisant des volutes et autre figures attirantes et le sax de Jan, profond, dense, spirituel, intense.
Longue intro quasi non mesurée (mais sur base de quatre temps) puis voilà que Bobo Stenson (un des pianistes modernistes que je place très haut dans mes écoutes et estimes) indique la marche à suivre avec un petit motif à cinq temps qui sera le seul second axe sur lequel tous vont s’accrocher.
Jon Christensen c’est l’anti batterie à obsession rythmique par excellence, c’est le rythme dans sa forme la plus ouverte, libre et large possible, le jeu de cet artiste est tout simplement unique en son genre et sort totalement des sentiers préétablis que l’instrument guide. Ici il joue avec la métrique d’une façon exclusive et rare.
Le solo de Bobo Stenson est un rare moment musical et d’inspiration.
Celui de Garbarek devient sauvage.
Et Palle Danielsson tente de fluidifier l’espace compris entre ces deux personnalités pour les additionner.

C’est par et avec de tels titres et albums que mon addiction au label ECM et à tous leurs artistes s’est irrémédiablement faite.
A tel point qu’à ce jour voici environ six mois que je n’en ai écouté car sinon, je sais que je n’écouterais quasiment que la musique produite par ce label tant elle est source de bienfaits, d’inspiration, de plénitude.
Car je sais que quand je replonge ECM, le temps n’a plus la même dimension, l’espace s’aborde sous une autre forme, la musique vit sa vie différemment.
Mais là il fait trop chaud, j’attends donc l’hiver pour replonger.

11- GEORGE GRUNTZ CONCERT JAZZ BAND « Black Narcissus » - Album « Live at the Quartier Latin, Berlin » | MPS 1981.
Citer les noms ici pour un Big Band c’est une bien trop longue liste, je vous invite à aller vous rendre compte par vous-même de l’extraordinaire lieu de rencontre internationale que fut cet ensemble réunissant les plus grands sous un projet des plus remarquablement écrit.

L’entrée en matière est vaporeuse, les nappes de claviers agissent comme un pupitre de cordes puis le pupitre de saxs va entrer en lice pour, en quelques éclairs, installer la trame.
Invité d’honneur, Joe Henderson prend alors la parole et s’exprime par l’un de ses thèmes fétiches, « Black Narcissus », une valse.
Derrière lui, Erskine soutient en finesse. Il est la colonne vertébrale de l’ensemble.
Il faut l’écouter, il appuie, relance, joue la partition, le batteur de Big Band par excellence.
L’ensemble est d’une rare qualité tant d’écoute que de mise en place pour des arrangements exigeants, taillés pour solistes.
Le solo de bugle (Tom Harrell, très certainement) est un moment rare et crée un pendant sensible avec le jeu presque intimiste de Joe Henderson.
Quelques flûtes viendront adoucir encore ce parcours affiné et raffiné qui s’organise sur les trames de synthétiseurs et un piano électrique légèrement chorusé.
On peut certainement parler dans cet enregistrement live, d’alchimie – ce concert a dû être un moment rare pour celles et ceux qui y ont assisté, de ceux qui méritaient bien d’être gravés, heureusement ils l’ont fait…

12- DUKE ELLINGTON « Caravan » - Album « Money Jungle » | United Jazz Artists 1962.
Duke Ellington, piano / Charlie Mingus, bass / Max Roach, drums.

Trois mythes du jazz se réunissent pour un album, court, dense, obligatoire et incontournable.
Si l’on aime le jazz il semble impossible, inimaginable et même inconcevable que de passer à côté de ce pavé.
D’un côté en leader incontesté, Duke, maitre de cette petite chapelle.
Il a de l’âge, de la bouteille, comme on dit. Certains le découvriront presque ici comme pianiste et… comme un pianiste à la particularité et à la personnalité bien affirmées.
Duke l’orchestrateur, même en trio n’est jamais bien loin, il suffira de l’entrée du thème, volontairement exprimée dans le grave du piano, afin de laisser l’espace sonore à la contrebasse, elle, dans l’aigu, pour le comprendre.
Mingus est ici magistral, d’énergie, de précision, d’intention, de « vérité ».
Quant à Max Roach il utilise le motif jungle en faisant chanter ses fûts, installant un motif quasi mélodique qui le positionne dans le trio, comme mélodiste rythmicien.

On est dans une forme de quintessence de l’art du jazz, on est dans les sommets du genre.
Il est des réunions de « stars » surfaites, commerciales et « organisées » et comme ici il est des rencontres d’artistes aux chemins si personnels qu’on se demande, à priori, s’il est possible qu’ils arrivent à un consensus musical. Mais quand l’intelligence, le génie et le talent se réunissent pour la musique, celle-ci va se revêtir d’une beauté immédiate, sans artifices, naturelle et profondément expressive.
« Caravan », oscille entre jungle et swing.
Duke use de la totalité du piano, quasi-soliste, Charlie circule sur son manche et organise son walking autour de Duke tel une partition de musique de chambre en trio. Quant à Max, il chante, swingue, accroit et joue de son petit motif qui est, en fait, le premier point d’accroche du titre.
Le plaisir est au rendez-vous.
Sachons y prendre part.

13- PAT METHENY « Lonely Woman » - Album « Rejoicing » | ECM 1985.
Pat Metheny, guitar / Charlie Haden, bass / Billy Higgins, drums.

Après la carte postale jungle inscrite au plus profond de la tradition africaine du jazz ouvrons la fenêtre poésie.
La qualité de la production ECM est un atout non supplémentaire, mais réellement complémentaire à cette version du thème poétique de Horace Silver. 

Ici tout est finesse, subtilité.
Comme la pochette entre pastel et contours le dessin musical est précis, exprimé avec le plus grand soin et la plus belle des formules.
Metheny caresse littéralement ses cordes et explore toute la palette des possibilités de son instrument, Haden est un souffle immense et Higgins est un coloriste à la palette sublime.
Si le jazz peut faire parfois rêver et s’attarder, c’est ici quelque part que la clé se trouve et elle n’est pas cachée.

14- JOHN ABERCROMBIE « Beautiful Love » - Album « Farewell » | Universal 1993.
John Abercrombie, guitar / Andy Laverne, piano / George Mraz, bass / Adam Nussbaum, drums.

Ecouter John Abercrombie dans un format plus « classique », à savoir s’emparant d’un standard pur et dur, c’est toujours l’idée d’une surprise et forcément de le découvrir quelque part dans un autre registre. Ce guitariste original, partenaire de tant de groupes aux axes tous aussi créatifs et aventureux les uns que les autres s’offre là, avec ses amis, hors label ECM auquel son nom est généralement affilié, une pause pas si récréative qu’il n’y parait…
Ok, ils se sont réunis, forcément avec toute l’amitié et le respect qu’ils ont mutuellement, mais ce thème ils vont le forcer dans ses retranchements les plus lointains possibles, Bill Evans l’avait fait, ils continuent la route commencée.
Le jeu légato d’Abercrombie tranche avec l’habitude qui est commune à la guitare jazz.
Andy Laverne est et reste un pianiste de session des plus courtisé et on comprend ici pourquoi… Il est un admirable partenaire du leader et son solo entre directement dans la place comme essentiel.
Le tandem Mraz/Nussbaum est du genre solide, à l’écoute, fusionnels ils provoquent, insistent, nuancent et Mraz prend lui aussi un solo immense. Il sera suivi en coda et fade par Nussbaum, comme toujours, vaste et ardent.

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C’est ainsi et ici que se termine cette seconde face.
Elle s’est, cette fois, enrichie d’un jazz, plus actuel, moderne diraient certains, en tout cas d’une génération qui fut nouvelle et qui a posé d’autres pierres à l’édifice, avec d’autres formes, d’autres perspectives et d’autres couleurs.
Et surtout beaucoup plus de liberté.

Je vous souhaite un belle fin de semaine – celle-ci va se conclure par une fête de la musique, énième rdv du genre institué et institutionnel. Histoire pour nous en tout cas que la musique existe bel et bien et qu’elle est essentielle et qu’en live elle l’est d’autant plus.

à très vite pour la suite.