ROCK POP ... 01 (au commencement)

ROCK-POP …(01)

Allez je reprends le format K7 pour un petit tour qui n’a strictement aucunement le but de faire découvrir quoique ce soit, je me réserve le jazz pour ça (et encore…).
Non, ici rien que le plaisir de me replonger dans des titres que j’ai juste aimé, qui m’ont certainement marqué et que le fait d’additionner en playlist est juste une activation des neurones plaisir.
Donc ne cherchez rien d’autre que cela…
C’est certainement suffisant en soi.
Face A pour 45 mn...

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PLAYLIST 01 (au commencement…).

01
THE BEATLES « Come Together » - Album « Abbey Road » - EMI 1969.

C’est pour moi l’incontournable des Beatles, c’est aussi certainement dû au fait que c’est avec ce titre - que j’avais mis sur bande (et non sur K7) détournant le magnétophone de mon père pour ce faire – que je suis entré dans l’univers Beatles.
Alors ce fut une sorte de boulimie.
L’album ? Je l’ai écouté, décrypté, joué, réécouté, encore et encore.
Et l’âge avançant j’y ai trouvé toujours tant et tant.
« Come Together » est le titre des Beatles que je joue et chante encore plus que régulièrement et il m’est impossible de m’en lasser.
Il y a dans ce titre tout ce qui m’a définitivement rendu accro à ces quatre-là et à une certaine idée du rock.
Le son (un enregistrement d’une qualité dépassant l’imaginable en 69).
L’inventivité (la ligne de basse qui focalise tout).
La magie des voix associées, le solo de fin, le Rhodes et cette partie de batterie empruntant le jeu en toms cher à Ginger, tout en restant collée au chant.
J’ai accompli quasiment tous mes rêves concernant cet album… je l’ai même joué en cover il y a très longtemps, caressant du coup le fait d’un jour faire jouer la face B par des élèves.
C’est le seul de ces rêves qui ne fut accompli – mais c’est un bien maigre constat quand je sais ce que cet ensemble de titres de génie m’a apporté.

02
THE ROLLING STONES « It’s Only Rock’n’Roll (But I Like it) » - Album « It’s Only Rock’n’Roll » - Polydor 1974.

Je ne joue pas au vieil adage stupidement médiatique qui a « opposé » les gentils Beatles aux vilains Rolling Stones – on savait être cons bien avant les réseaux sociaux, ça a juste amplifié la chose…

Avec les Stones, j’arrive toujours à finalement adhérer.
Pas besoin de période, d’avec qui et quand, rien à cirer.
S’il est un groupe qui quelque part représente de façon emblématique le mot lointain de rock, c’est bien eux – alors avec ce titre ils n’ont même pas eu à enfoncer le clou.
Ils aiment ça et nous aussi et on aime quand ils le disent, le proclament, en chœurs déjantés,  haut et fort.
Je dirais presque que tout (ou une grande partie de) ce qui fait que les Stones sont indéniablement indestructibles et obligatoires quand on parle de rock, se trouve ici dans ce vague truc au riff signé de la pâte Richards, ce même quand il joue sur le poncif gimmick, ce qui est et restera d’ailleurs toujours assez bluffant que cette mise directe en personnalité.
Des chœurs sales à foison, des jets de mini soli interventions de guitares – sorte de fausse jam festive dédiée qui part en toutes directions apparemment peu contrôlées, mais en fait totalement sous gestion habile d’un tandem Mick/Keith, une sorte de presque prise de son live comme en répétition …
La gratte acoustique qui mène l’affaire, le jeu de batterie tourné vers la caisse claire qui en encaisse (quelle frappe ce Charlie), la ligne de basse de Bill qui tournoie et tournicote autour du sujet basique…
Je sais c’est juste du rock’n’roll…
Et même si j’en écoute peut être moins qu’avant, j’aime toujours autant ça !

03
DAVID BOWIE « Rebel Rebel » - Album « Diamond Dogs » - RCA 1974.

J’ai été pris de rage réelle il y a quelque temps lorsque, pris de curiosité de visite chez quelques voisins, je suis tombé sur une bombe rougeoyante aux flashs jaunis qui, en gros, s’octroyait le pouvoir de jugement sur l’ensemble de la discographie de David Bowie, se permettant carrément d’en foutre quelques-uns à la poubelle, en encensant d’autres.
Bref, le genre de truc qui me fait carrément gerber et qui démontre la dégénérescence, le malaise, la nullité sous couvert de vantardise et de « liberté d’expression » qu’est devenue la blogosphère « musicale » en une poignée d’année.
Ce pouvoir par le dire, l’écrit, cette capacité à argumenter pour cracher sur, cette non connaissance reposant juste sur le savoir anecdotique mais en incapacité de connaissance réelle de la musique – ce, finalement détour de la Manoeuvre attitude, burlesque, pantomime, pathétique et surtout de celui qui, comme il l’ouvre plus fort que les autres, se fait entendre, même s’il balance l’irrespect sous couvert de subjectivité conne et désabusée.

Je suis allé au bout de son « article », j’ai même osé lire quelques commentaires souvent consensuels, ou encore moutonistes. Il faut des chefs de file et encore une fois celui qui l’ouvre fort avec des idées (idéaux) ciblés est forcément suivi d’un troupeau qui hoche du chef.

« Diamond Dogs » faisait partie de ses albums qu’il ne jetterait pas (et là-dessus lui donner tort serait malencontreux), mieux il le plaçait (si mes souvenirs sont bons car j’ai été tellement colérique au cours de la lecture de ce ramassis de conneries) vers les sommets avec il est également vrai l’excellent « Pin Ups ».

« Rebel Rebel », c’est l’art du riff à un certain paroxysme.
Là où d’autres se creusent la tête pour trouver « LE » riff qui fera date, qui, dès son entrée fera se lever le stade et les foules, chanter à tue-tête, etc. David Bowie, estampille l’idée en deux mesures, sans chercher la position compliquée, juste « sous les doigts ».
Il n’en est pas à son coup d’essai et il l’a fait et le refera dans sa carrière, gardant, malgré ses multiples expérimentations, ses aventures, ses personnages et personnalités … cette profonde empreinte rock (en vrac : « Jean Genie », « Beauty and The Beast », « Ziggy Stardust », « I’m Afraid of Américains », et même « Golden Years » puisé dans le rock’n’roll).

Car le riff en est une essentielle d’empreinte, si ce n’est l’essentielle.
Il y a aussi la ligne de basse, qui syncope afin d’alterner les métriques pour justement le renforcer ce riff (un savoir-faire que l’on retrouve chez John Paul Jones sous Jimmy Page) sans parler du drumming imperturbable de Aynsley Dunbar, dont le beat s’organise autour de la caisse claire qui renforce chaque temps (là où la coutume pour la snare est l’after beat à  savoir 2^e et 4^e temps) donnant ainsi le côté hypnotique et envahissant du titre.

« Rebel Rebel » est simplement un titre qui transpire le rock et avec lequel Bowie met en une seule sauce tous les ingrédients qui scellent cette seule et simple idée/direction/attitude.

« Diamond Dogs » serait l’album de Bowie à garder ?
Je me tourne vers mes vinyles, mes cd, mes « favoris » de streaming et je vois l’étagère emplie des merveilles qu’il nous a laissé et qu’il faut être en capacité d’écouter, non avec l’idée de ce que cela aurait peut être dû être, mais en acceptant qu’un artiste puisse oser, essayer, dévier, chercher, expérimenter, creuser, désirer et surtout ne vouloir jamais être ou faire comme l’autre, mais rester soi même ce, même quand l’influence de l’actualité générationnelle impose l’intérêt et une porte d’entrée.
Un peu comme Miles pour le jazz, David Bowie a déplacé le rock et l’a sorti de l’ornière.
Il a fait évoluer réellement son langage.
Il a ainsi prouvé que ce « format » avait la capacité de s’ouvrir et que l’intelligence (ne pas mélanger avec intellectualisme – il a su s’entourer de Eno pour cela et ce fut, contrairement à là encore des idées forcément reçues, un coup de génie) pouvait juste être démontrée dans cette musique.
L’intelligence…

04
ERIC CLAPTON « I Shot The Sheriff » - Album « 461 Ocean Boulevard » - Polydor 1974.

Décidément, sans le vouloir, je cale sur 1974 pour l’instant.
Certainement dû à ces souvenirs d’adolescence qui restent ancrés, quoiqu’on en dise ou pense (et en playlist, le côté souvenir est une donnée non négligeable).

Clapton faisait débat avec ces albums laid back, ce côté décontrac’t du gars virtuose qui se la jouait, disait-on, facile. Interviewé, il démontrait quelque part sa facilité, l’origine de son jeu … en mettant en avant que finalement il n’avait rien inventé mais que ce jeu il l’avait puisé (piqué disaient les détracteurs), dans celui des bluesmen.
Au bahut, difficile de se positionner.
C’est pour ça qu’il a semble t’il été rangé du côté des vieux, des dinosaures, on ne disait pas encore classic rock…
C’est pour ça que l’arrivée énergique du punk a tout balayé, modifié, bouleversé en peu de temps, réinstallant un mouvement social qui a éloigné sa musique (ce blues fondamental qui est sa vie, simplement) et lui.

Clapton aimait bien « reprendre », comme ici avec Marley dont la substance se voit réappropriée sur un beat qui écarte le reggae pour lui donner une fonction plus roots, groove en quelque sorte.
On reste dans la sphère Marley avec chœurs et un orgue/piano qui rappellent le côté churchy implicite dans le reggae mais les rythmiques de guitare et la section bass/drums partent définitivement ailleurs et modifient véritablement la texture initiale du titre là où tant d’autres auraient simplement dévié le reggae mood à leur sauce.
Clapton se réapproprie, avec un respect indéniable pour la musique de Marley, le titre.
Il revient quelque part indirectement, au Rock Steady presque originel.
Cet éclairage en changement d’angle et pas spécialement nouveau, aura probablement boosté l’un comme l’autre, chacun étant « gagnant » dans cette affaire, car, malgré ces pseudo polémiques lancées d’on ne sait où, visant à discréditer le célèbre guitariste – et par là encore et toujours s’attaquer à l’idée de célèbre, donc de ce que cela implique en imagerie pognon – ce titre, cet album restent de véritables sceaux représentatifs et légendaires de l’artiste.
Qui n’a pas « Slowhand » ou « 461 Ocean boulevard » au fond de sa discothèque ?...
Et qui ne chante pas ce titre dès les premiers accords tant il est passé dans le « patrimoine » populaire ?...

 

05
STEVIE RAY VAUGHAN « Mary Had a Lamb » - Album « Texas Flood » - EPIC 1983.

Stevie Ray…
En vrac…
Vienne – il arrive coiffé de son Stetson et tout habillé de cuir blanc.
Je ne le connaissais pas du tout. Sa version de « Voodoo Child » est encore inscrite dans ma mémoire. Découvrir un artiste par la scène, c’est rare.
P.U, guitariste, arrive avec ce titre et c’est parti !
Attention le verse commence en A !
J’enfourche mon orgue, le riff est immédiatement accrocheur et ce titre là encore restera entêtant.
Aujourd’hui on joue « Lenny » auquel on ajoute « Riviera Paradise » (« In Step ») - finalement Stevie Ray reste bel et bien là, pas besoin de se prétendre bluesman à l’excès pour le jouer.
La bonne musique se passe des étiquettes, il suffit de la « vivre ».
Et lui…

06
TRAFFIC « Light up or leave me alone » - Album « The low Spark of High heeled Boys » - Island 1971.

Après avoir mis sur K7 « Shoot them… » avec une histoire de Fantasy, je me suis entiché de Traffic puis de Stevie Winwood et suis parti m’acheter cet album dont la particularité visuelle était les bords de pochette coupés.
Je ne saurais dire combien d’heures j’ai passé (et passe encore) à écouter cet album et ce titre qui provoque systématiquement mon enthousiasme d’adolescent.
Celui où l’on rêve d’être un guitariste envoyant à une foule hypnotisée des giclées de wahwah, des solos interminables en preuve de savoir faire et être.
Celui où la vérité de groupe est seule direction, gérée et menée par le seul critère commun : la musique.
Celui où l’on se sent si proche de ces gars, dont Stevie, très jeunes, déjà si incroyables, déjà stars, au sens que cette époque pouvait donner avant une récupération médiatique surfaite et inappropriée.
Celui où dès qu’on se met au piano, l’on sent jaillir sous ses doigts ces accords pourtant si simples, et pourtant si porteurs de messages.
Traffic fut l’un des plus grands groupes de ce rock seventies post sixties et même si Stevie en fut l’immense leader, il est toujours resté humble et courtois, "so british" dans cet espace collectif tant de vie que de musique.
Et il reste l’un des plus grands songwriters que la pop et le rock nous ont offert.

07
SANTANA « Samba Pa Ti » - Album « Abraxas » – Columbia 1970.

L’avant tube « Europa », l’instrumental qui met en exergue la capacité de profondeur mélodique de la guitare électrique.
Carlos Santana a tant apporté à la guitare électrique, à la fusion latino-gypsy pour le rock.
D’album en album le son s’est étoffé, précisé, peaufiné, mais le jeu du célèbre guitariste entre jazz fusion et rock connoté latin (dont il est quelque part réellement dépositaire) est resté le même.
Santana, c’est ce mélange instinctif de soliste post hendrixien et de pur mélodiste capable de rendre l’instrumental chantant et chanté, tant le pouvoir de ses compositions dédiées à l’instrument est inégalables.
Santana c’est aussi ce groupe aux facettes changeantes avec les décennies mais resté ancré dans cette énergie pure et destructrice qui fit d’eux les stars issues de Woodstock.
Une véritable armée de percussionnistes, un orgue généralement Hammond impérieux, des rythmiques empruntant leurs beats à toutes les racines latino-américaines (Chacha, Mambo, Samba, Salsa, Son, Bolero et j’en passe…), tout cela pour propulser un leader charismatique et habité – c’est certainement cela Santana.
Et un côté obligatoirement festif, impulsif, immédiat – une sorte de purge décomplexée de toute récupération – Santana n’appartient à aucun « courant » réel.
Santana c’est quelque part le premier véritable groupe de fusion interplanétaire.
Et chaque entrée d’un titre, d’un album de Santana dans mon espace c’est d’emblée jouissif.

Dans ce titre, long développement mélodique afin d’insister sur ce trait qui deviendra la pâte réelle du guitariste puis l’orgue va cracher son pouvoir churchy pour ensuite faire entrer progressivement mais sans détour le véritable axe samba et nous le laisser en empreinte dans la tête.
Tout un art du développement.

08
JOURNEY « Walks Like a Lady » - Album « Greatest hits 2 » - Columbia 1980.

Après Santana voici l’évidence Journey, créé au départ par des ressortissant du groupe.
Leurs premiers albums avaient du mal à trouver une identité se défaisant de l’empreinte seventies jam rock, longs solos, morceaux en multi-trappes, portion congrue du chant affecté à un instrumentiste (Gregg Rolie)…
Puis arrive Perry et Journey va prendre un tournant FM qui mettra en avant Neal Schon, guitariste absolument incroyable et l’avant-scène chanteur + guitariste en leaders va enfin de tailler le costard pour les stades. Si l’on ajoute à cela le départ de Aynsley Dunbar (au demeurant un batteur merveilleux mais ancré dans le jeu seventies) remplacé par la future star de l’instrument, multigenres (rock, métal, pop, fusion, jazz, jazz rock…) Steve Smith (dont je vous recommande l’album « Vital Information ») et accolé à Ross Valory à la basse nous voici avec un groupe préfigurant les tenants du titre FM, à savoir Toto.
Autrement dit, le format radio impose un calibrage, un minutage et le rock va progressivement laisser ses longues plages musicales pour un conceptuel plus réduit, efficace et dense.
Alors il faut trouver le riff instantané, le refrain mémorisable et répétitif en coda, alors il faut en quelques 8 mesures (rarement 16) envoyer un solo légendaire et puis il faut un beat porteur et… malgré tout cela rester fondamentalement rock.
Le « nouveau » Journey c’est tout cela à la fois, ce sont des pointures, des requins de studio réunis pour la dimension stadium, taillant tubes sur tubes, portés par un chanteur charismatique à la voix très haut perchée contrebalancé par un guitariste indiscutable tant de niveau que d’inspiration, que de pouvoir sonique.
Si je suis face à l’écoute d’un album de Journey ou de Toto, mon choix ira directement vers Journey et j’aurais rêvé d’un duo Lukather/Schon, comme celui que firent Lukather/Carlton…

Ce titre possède toutes ces caractéristiques, vraiment toutes.

09
TOTO « Gift of Faith » - Album Tambu – Sony 1995.

Justement…
Toto…
Le versant requins de studio rock, réunis eux aussi pour faire du genre une machine à tubes.
Eux aussi, un début hésitant, tourné vers le prog et vite la bifurcation vers des approches commercialement plus radicales.
Un consortium de frangins, un guitariste touche à tout, virtuose, au son immense, un batteur idolâtré par la profession, au CV long comme le bras et plus, ce dès sa jeunesse.
Et puis un chanteur fait de hauts (dans la vie comme dans la voix) et de bas.
Et puis Jeff part au panthéon des batteurs rejoindre la jam session paradisiaque, trop tôt, trop jeune, connement.
Alors Steve prend le chant avec sa guitare, alors Simon Phillips, lui aussi jeune prodige (le premier Whitesnake où Coverdale ne tarissait pas d’éloges envers lui, puis ce fut Townsend…) désormais à la carrière bien solide va arriver et le « nouveau » Toto est en place.

J’ai assisté à un concert de la tournée de cet album absolument remarquable de a à z.
J’y avais emmené mon fils aîné, il avait 9 ou 10 ans, ce fut sa première plongée dans le rock, réellement, scéniquement, avec un son énormissime, avec une présence musicale inoubliable.
Il avait des étoiles dans les yeux !
Simon était remplacé par Gregg Bissonnette, dont c’était le premier concert de ce remplacement.
Qu’importe, j’ai de suite mis ce nom de côté dans ma tête tant il fut parfait, car Toto, c’est avant tout une affaire de perfection – comme ce titre en témoigne (riff débordant d’énergie qui intervient partout dans le verse et dans le son – normal Steve se « répond » puisqu’il chante désormais, orgue saturé, chant, gros groove basse batterie, refrain en chœurs gospélisants limite évangélistes – repensons au titre - permettant au lead chant de se détacher… et la structure, la grille harmonique, l’agencement formel… le pont avec ce nouveau riff qui amène le solo de Lukather magistral et très court et cette coda où la choriste s’échappe à son tour soutenue par un orgue churchy à souhait pour ce collectif extraordinaire qui conclut, comme en live, sans fade out) – et c’est aussi ce que nombre de détracteurs leur reprochent.
Mais vous savez, moi, face à la musique quand elle est aussi magistralement jouée que là, les détracteurs, je les emmerde.
Ce, très sincèrement.

10
SUPERTRAMP « Take a Long Way Home » - Album « Breakfast in America » - A&M 1990.

Immédiatement saisi de nostalgie profonde quand j’entends les premiers accords, l’harmonica, cette voix unique, ce jeu pianistique qui l’est tout autant à peine jazzy, un peu rock, pas mal stride, tellement personnel, qui a redonné de l’intérêt au piano dans le rock-pop en le sortant du EltonJohnning et du BillyJoelling.
Un tantinet swinguant, up et jumpy – dû à cette écriture sautillante de la rythmique à laquelle il faut absolument prêter une réelle attention car bien sûr notre esprit divague très vite vers ces chœurs paradisiaques, ce piano perpétuel.
John A Helliwell – le saxophoniste – on le croise souvent lors des manifestations culturelles à Cavalaire où il réside.
Un gars souriant, discret.
Je n’ai jamais osé l’aborder pour lui dire le bien que Supertramp a fait à ma vie.
Un jour peut être…

Moi, quand je mets ce titre, cet album, c’est comme ouvrir un album de photos souvenirs, apparaissent tant et tant d’images et de vie…

11
STEVE PERRY « « You better Wait » - Album « For the love of Strange medecine » - Sony BMG- Columbia 1994

Steve Perry s’échappe de Journey.
Un second album solo huit ans après la dissolution du groupe et son départ.
Divers comparses, les requins de studio il en connait un paquet et il n’a eu qu’à prendre son téléphone. 

Steve solo mérite un détour, même si finalement ses chansons restent similaires au répertoire du groupe Journey (ce qui atteste de l’importance de sa présence - et pas uniquement en tant que chanteur leader), l’alternative plus « personnelle » le montre différemment.
Cet album signifiait un retour à la musique après une longue pause, une saturation créative, un manque d’envie – Steve Perry est donc revenu à la musique par cet album, s’entourant de musiciens tels Lincoln Brewster aux guitares et d’une équipe d’amis avec lesquels d’ailleurs il partira en tournée.

C’est toujours compliqué d’écouter et apprécier un artiste hors du contexte dans lequel il semble inamovible et de prendre réellement en compte sa musique, son projet, tout simplement sa personnalité.
Rares sont ceux qui ont réussi réellement à s’en émanciper de ces groupes qui virent leurs noms imbriqués et à chaque fois le public – même s’il suivait – restait suspect ou se divisait.
Le nom du groupe leur collant aux basques.
Sting/Police, Peter Gabriel-Phil Collins/Genesis, Yorke/Radiohead, pour n'en citer que peu.

Steve Perry aura eu peu de suiveurs de Journey, le groupe ayant perdu son aura après ses multiples dysfonctionnements et justement, c’est peut être bien là qu’il faut – hors des rebonds médiatiques liés à la popularité d’un groupe – prêter une autre oreille et apprécier, tel quel, un artiste.
Et cet album vaut le détour.

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Bonne semaine !